Texte: Ksyoucha Petrova
CETTE SEMAINE AU MUSÉE JUIF ET CENTRE DE TOLÉRANCE L'exposition « Abstraction et image » de Gerhard Richter se termine - la première exposition personnelle en Russie de l'un des artistes les plus influents et les plus chers artistes contemporains. Lors de l'exposition récemment prolongée de Raphaël et du Caravage et de l'avant-garde géorgienne au Musée Pouchkine. Il y a des files d'attente pour A.S. Pouchkine ; vous pouvez voir Richter en compagnie confortable de quelques dizaines de visiteurs. Ce paradoxe est dû non seulement au fait que le Musée juif est bien inférieur en popularité à Pouchkine ou à l'Ermitage, mais aussi au fait que beaucoup sont encore sceptiques quant à l'art abstrait.
Même ceux qui connaissent Sovriska et comprennent bien l’importance du « Carré Noir » pour la culture mondiale sont rebutés par « l’élitisme » et « l’inaccessibilité » de l’abstraction. On se moque des œuvres artistes de mode, nous sommes émerveillés par les records d'enchères et craignons que derrière la façade des termes historiques de l'art il y ait un vide - après tout, les mérites artistiques d'œuvres rappelant les gribouillis d'enfants suscitent parfois des doutes parmi les professionnels. En fait, l'aura « d'inaccessibilité » de l'art abstrait est facile à dissiper - dans cette instruction, nous avons essayé d'expliquer pourquoi l'abstraction est appelée « télévision bouddhiste » et de quel côté l'aborder.
Gerhard Richter. 1/54 novembre. 2012
N'essayez pas de savoir
ce que l'artiste voulait dire
Dans les salles où sont accrochées des peintures de la Renaissance, même un spectateur peu averti peut s'y retrouver : au moins, il pourra facilement nommer ce qui est représenté dans l'image - les gens, les fruits ou la mer, quelles émotions ressentent les personnages, s'il y a une intrigue dans cette œuvre, si les participants aux événements lui sont familiers. Devant les tableaux de Rothko, Pollock ou Malevitch, on ne se sent pas aussi en confiance - il n'y a aucun objet dessus sur lequel on puisse attirer notre attention et spéculer dessus pour, comme à l'école, découvrir « ce que l'auteur voulait dire." C'est la principale différence entre la peinture abstraite, ou non objective, et la peinture figurative plus familière : l'artiste abstrait ne s'efforce pas de représenter le monde, il ne se fixe pas une telle tâche.
Si l’on examine attentivement les deux derniers siècles de l’histoire de l’art occidental, il apparaît clairement que le rejet du sujet en peinture n’est pas le caprice d’une poignée d’anticonformistes, mais une étape naturelle de développement. Au 19ème siècle, la photographie est apparue et les artistes ont été libérés de l'obligation de représenter le monde tel qu'il est : des portraits de parents et de chiens bien-aimés ont commencé à être réalisés dans un studio photo - cela s'est avéré plus rapide et moins cher que de commander une peinture à l'huile chez un maître. Avec l’invention de la photographie, la nécessité de copier minutieusement ce que l’on voit afin de le stocker en mémoire a disparu.
← Jackson Pollock.
Chiffre sténographique. 1942
Au milieu du XIXe siècle, certains ont commencé à soupçonner que l’art réaliste était un piège. Les artistes maîtrisaient parfaitement les lois de la perspective et de la composition, apprenaient à représenter des personnes et des animaux avec une précision extraordinaire, acquéraient matériaux adaptés, mais le résultat paraissait de moins en moins convaincant. Le monde a commencé à changer rapidement, les villes sont devenues plus grandes, l'industrialisation a commencé - dans ce contexte, les images réalistes de champs, de scènes de bataille et de modèles nus semblaient dépassées, séparées des expériences complexes de l'homme moderne.
Les impressionnistes, postimpressionnistes, fauves et cubistes sont des artistes qui n'ont pas eu peur de remettre en question ce qui est important dans l'art : chacun de ces mouvements s'est inspiré des expériences de la génération précédente, expérimentant la couleur et la forme. En conséquence, certains artistes sont arrivés à la conclusion que le contact entre l'auteur et le spectateur ne se fait pas par des projections de la réalité, mais par des lignes, des taches et des traits de peinture. L'art s'est ainsi débarrassé du besoin de représenter quoi que ce soit, invitant le spectateur à ressentez la joie sans nuages d'interagir avec la couleur, la forme, les lignes et la texture. Tout cela était parfaitement combiné avec de nouveaux enseignements philosophiques et religieux - en particulier la théosophie, et les locomotives de l'avant-garde russe, Vassily Kandinsky et Kazimir Malevitch, ont développé leur propre systèmes philosophiques, dans lequel la théorie de l'art est liée aux principes d'une société idéale.
Dans toute situation peu claire, utilisez l’analyse formelle
Voici un cauchemar dans lequel tout amateur peut se retrouver art contemporain: imaginez que vous vous trouvez devant un ravissant tableau d'Agnès Martin, comme il est écrit dans le guide, et que vous ne ressentez absolument rien. Rien que de l'irritation et une légère tristesse - non pas parce que l'image vous procure de tels sentiments, mais parce que vous ne comprenez pas du tout ce qui est dessiné ici et où vous devez regarder (vous n'êtes même pas sûr que les conservateurs ont accroché l'œuvre au bon endroit chemin). Dans une telle situation, l'analyse formelle vient à la rescousse, avec laquelle il vaut la peine de commencer à se familiariser avec n'importe quelle œuvre d'art. Expirez et essayez de répondre à quelques questions des enfants : qu'est-ce que je vois devant moi - un tableau ou une sculpture, un graphisme ou une peinture ? Avec quels matériaux et quand a-t-il été créé ? Comment pouvez-vous décrire ces formes et ces lignes ? Comment interagissent-ils ? Sont-ils mobiles ou statiques ? Y a-t-il de la profondeur ici - quels éléments de l'image sont au premier plan et lesquels sont à l'arrière-plan ?
← Barnett Newman. Sans titre. 1945
L'étape suivante est également assez simple : écoutez-vous et essayez de déterminer quelles émotions ce que vous voyez évoque en vous. Ces triangles rouges sont-ils drôles ou alarmants ? Est-ce que je me sens calme ou est-ce que l’image me pèse ? question de sécurité: Est-ce que j'essaie de comprendre à quoi cela ressemble ou est-ce que je laisse mon esprit interagir librement avec la couleur et la forme ?
N'oubliez pas que ce n'est pas seulement l'image qui est importante, mais aussi le cadre - ou son absence. Dans le cas des mêmes Newman, Mondrian ou « l'Amazone de l'avant-garde » Olga Rozanova, le rejet du cadre est un choix conscient de l'artiste, qui invite à abandonner les vieilles idées sur l'art et à élargir mentalement ses limites, aller littéralement au-delà.
Pour vous sentir plus en confiance, vous pouvez rappeler une classification simple des œuvres abstraites : elles sont généralement divisées en géométriques (Piet Mondrian, Ellsworth Kelly, Theo van Doesburg) et lyriques (Helen Frankenthaler, Gerhard Richter, Wassily Kandinsky).
Hélène Frankenthaler. Cerceau orange. 1965
Hélène Frankenthaler. Solarium. 1964
Ne jugez pas "la capacité de dessin"
« Mon enfant/chat/singe ne peut pas faire pire » est une phrase qui est répétée tous les jours dans tous les musées d'art moderne (peut-être ont-ils pensé à installer un comptoir spécial quelque part). La manière facile répondre à une telle affirmation, c'est renifler et rouler des yeux en se plaignant de la pauvreté spirituelle de ceux qui vous entourent ; une manière difficile et plus productive est de prendre la question au sérieux et d'essayer d'expliquer pourquoi les compétences des abstractionnistes devraient être évaluées différemment. Le grand sémiologue Roland Barthes a écrit un essai sincère sur l’apparente « puérilité » des gribouillages de Cy Twombly, et notre contemporaine Susie Hodge a consacré un livre entier à ce sujet.
De nombreux artistes abstraits ont une formation classique et d’excellentes compétences académiques en dessin – c’est-à-dire qu’ils sont capables de dessiner un joli vase de fleurs, un coucher de soleil sur la mer ou un portrait, mais pour une raison quelconque, ils ne veulent pas le faire. Ils choisissent une expérience visuelle qui n'est pas chargée d'objectivité : les artistes semblent faciliter la tâche du spectateur, en l'empêchant d'être distrait par les objets représentés dans l'image et en l'aidant à s'immerger immédiatement dans une expérience émotionnelle.
← Cy Twombly. Sans titre. 1954
En 2011, des chercheurs ont décidé de vérifier si les peintures du genre de l'expressionnisme abstrait (cette direction de l'art abstrait soulève le plus de questions) ne se distinguent pas des dessins de jeunes enfants, ainsi que de l'art des chimpanzés et des éléphants. Il a été demandé aux sujets de regarder des paires d'images et de déterminer lesquelles d'entre elles avaient été réalisées. artistes professionnels- dans 60 à 70 % des cas, les personnes interrogées ont choisi de « vraies » œuvres d'art. L'avantage est faible, mais statistiquement significatif - apparemment, dans les œuvres des abstractionnistes, il y a vraiment quelque chose qui les distingue des dessins d'un chimpanzé intelligent. Une autre nouvelle étude a montré que les enfants eux-mêmes peuvent distinguer les œuvres d'artistes abstraits des dessins d'enfants. Pour tester votre talent artistique, vous pouvez répondre à un quiz similaire sur BuzzFeed.
N'oubliez pas que tout art est abstrait
Si votre cerveau est prêt à subir une petite surcharge, considérez le fait que tout art est intrinsèquement abstrait. La peinture figurative, qu'il s'agisse de la nature morte « Le Garçon à la pipe » de Picasso ou « Le dernier jour de Pompéi » de Bryullov, est une projection d'un monde tridimensionnel sur une toile plate, une imitation de la « réalité » que nous percevons à travers la vision. Il n'est pas non plus nécessaire de parler de l'objectivité de notre perception - après tout, les capacités de la vision humaine, de l'audition et des autres sens sont très limitées et nous ne pouvons pas les évaluer par nous-mêmes.
Le marbre David n'est pas un homme vivant, mais un morceau de pierre auquel Michel-Ange a donné une forme qui nous rappelle un homme (et nous avons une idée deà quoi ressemblent les hommes grâce à notre expérience de la vie). Si vous vous approchez de très près de Gioconda, vous penserez toujours que vous voyez sa peau délicate, presque vivante, un voile transparent et un brouillard au loin - mais c'est essentiellement une abstraction, c'est juste que Léonard de Vinci a travaillé très minutieusement et pendant longtemps le temps a appliqué des couches de peinture les unes sur les autres pour créer une illusion très subtile. L'astuce du démasquage fonctionne plus clairement chez les fauvistes et les pointillistes : si vous approchez un tableau de Pissarro, vous ne verrez pas le boulevard Montmartre et le coucher de soleil à Eragny, mais de nombreux petits coups de pinceau colorés. Dédié à l'essence illusoire de l'art peinture célèbre René Magritte « La trahison des images » : bien sûr, « ce n'est pas une pipe » - ce ne sont que des traits de peinture bien posés sur la toile.
← Hélène Frankenthaler.
Népenthès. 1972
Les impressionnistes, dont on ne doute pas aujourd'hui de la compétence, étaient les abstractionnistes de leur temps : Monet, Degas, Renoir et leurs amis étaient accusés d'abandonner la représentation réaliste au profit de la transmission de sensations. Les traits « imprudents », visibles à l'œil nu, les compositions « étranges » et autres techniques progressistes semblaient blasphématoires au public de l'époque. DANS fin XIX Pendant des siècles, les impressionnistes furent sérieusement accusés d’« incapacité à dessiner », de vulgarité et de cynisme.
Les organisateurs du Salon de Paris ont dû suspendre l'Olympia de Manet presque au plafond - il y avait trop de gens qui voulaient cracher dessus ou percer la toile avec un parapluie. Cette situation est-elle très différente de l'incident survenu en 1987 au Stedelijk Museum d'Amsterdam, lorsqu'un homme a attaqué avec un couteau Who's Afraid of Red, Yellow and Blue III de l'artiste abstrait Barnett Newman ?
Marc Rothko. Sans titre. 1944-1946
Ne négligez pas le contexte
La meilleure façon de découvrir une œuvre d’art abstrait est de se tenir devant elle et de regarder, regarder et regarder. Certaines œuvres peuvent plonger le spectateur dans des sentiments existentiels profonds ou une transe extatique - cela se produit le plus souvent avec les peintures de Mark Rothko et les objets d'Anish Kapoor, mais le travail d'artistes inconnus peut également avoir un effet similaire. Bien que le lien émotionnel soit le plus important, il ne faut pas refuser de lire les étiquettes et de se familiariser avec le contexte historique : le titre ne vous aidera pas à comprendre le « sens » de l'œuvre, mais il peut vous donner des idées intéressantes. Même des titres arides comme « Composition n°2 » et « Objet n°7 » nous disent quelque chose : en donnant un tel nom à son œuvre, l'auteur nous encourage à abandonner la recherche du « sous-texte » ou du « symbolisme » et à nous concentrer sur l'expérience spirituelle. .
← Youri Zlotnikov. Composition n°22. 1979
L'histoire de la création de l'œuvre est également importante : très probablement, si vous découvrez quand et dans quelles circonstances l'œuvre a été créée, vous y verrez quelque chose de nouveau. Après avoir lu la biographie de l'artiste, soigneusement préparée pour vous par les conservateurs du musée, demandez-vous quelle importance cette œuvre aurait pu avoir dans le pays et à l'époque où travaillait son auteur : le même « Carré Noir » fait une toute autre impression si vous connaissez quelque chose sur les mouvements philosophiques et l'art du début du 20e siècle. Un de plus, de moins exemple célèbre- série « Signal Systems » du pionnier de l'abstraction russe d'après-guerre Yuri Zlotnikov. Aujourd'hui, les cercles colorés sur toile blanche ne semblent pas révolutionnaires - mais dans les années 1950, lorsque art officiel ressemblait à ceci, les abstractions de Zlotnikov constituaient une véritable avancée.
Ralentir
Il est toujours préférable de prêter attention à quelques œuvres qui attirent le regard plutôt que de galoper dans le musée en tentant d'admirer l'immensité. Le professeur Jennifer Roberts de Harvard oblige ses étudiants à regarder un tableau pendant trois heures - bien sûr, personne n'exige une telle endurance de votre part, mais trente secondes ne suffisent clairement pas pour un tableau de Kandinsky. Dans son manifeste - une déclaration d'amour pour l'abstraction, le célèbre critique d'art Jerry Saltz appelle les peintures hypnotiques de Rothko « la télévision bouddhiste » - il est sous-entendu que vous pouvez les regarder sans fin.
Répétez cela à la maison
La meilleure façon de tester l’idée séditieuse « Je sais tout aussi bien dessiner », qui surgit parfois parmi les critiques d’art professionnels, est de mener une expérience chez soi. Ce sera également intéressant dans la situation inverse - si vous avez peur de vous mettre à la peinture en raison de « votre incapacité à dessiner » ou de votre « manque de capacité ». Ce n'est pas sans raison techniques abstraites le plus souvent utilisés en art-thérapie : ils permettent d’exprimer des sentiments complexes pour lesquels il est difficile de trouver des mots. Pour de nombreux artistes, souffrant de contradictions internes et de leur propre incompatibilité avec le monde extérieur, l'abstraction est devenue presque le seul moyen d'accepter la réalité (à l'exception de la drogue et de l'alcool, bien sûr).
Les œuvres abstraites peuvent être créées en utilisant n'importe quel matériel d'art- de l'aquarelle à l'écorce de chêne, vous êtes donc sûr de trouver une technique adaptée à vos goûts et à votre budget. Peut-être que tu ne devrais pas commencer tout de suite par dégoulinant" - l'analyse du tableau de Mondrian "Composition avec du rouge, du bleu et du jaune" pour les plus petits n'est pas une honte à lire pour les adultes. Musée juif, ART4
Modèle à barillet unique, William Morris
« L'art abstrait », également appelé « art non figuratif », « non figuratif », « non figuratif », « abstraction géométrique » ou « art concret », est un terme générique plutôt vague désignant toute œuvre de peinture ou de sculpture qui ne représente pas d’objets ou de scènes reconnaissables. Cependant, comme nous pouvons le constater, il n’existe pas de consensus clair sur la définition, les types ou valeur esthétique art abstrait. Picasso pensait que cela n'existait pas du tout, tandis que certains historiens de l'art pensent que tout art est abstrait - parce que, par exemple, aucune peinture ne peut espérer être autre chose qu'un résumé approximatif de ce que l'on voit comme artiste. De plus, il existe une échelle mobile d’abstraction, de semi-abstrait à totalement abstrait. Ainsi, même si la théorie est relativement claire – l’art abstrait est détaché de la réalité – la tâche pratique consistant à séparer les œuvres abstraites des œuvres non abstraites peut s’avérer bien plus problématique.
Quelle est l’idée de l’art abstrait ?
Commençons par très exemple simple. Prenons un mauvais dessin (non naturaliste) de quelque chose. L'exécution de l'image laisse beaucoup à désirer, mais si ses couleurs sont belles, le design peut nous surprendre. Cela montre comment une qualité formelle (la couleur) peut prendre le pas sur une qualité représentationnelle (le dessin).
D'un autre côté, une peinture photoréaliste représentant, par exemple, une maison peut présenter d'excellents graphismes, mais le sujet lui-même, la palette de couleurs et composition générale peut être absolument ennuyeux.
La justification philosophique de la valorisation des qualités formelles artistiques découle de l'affirmation de Platon selon laquelle : « Les lignes droites et les cercles… sont non seulement beaux… mais éternels et absolument beaux. »
Convergence, Jackson Pollock, 1952
Essentiellement, le dicton de Platon signifie que les images non naturalistes (cercles, carrés, triangles, etc.) ont une beauté absolue et immuable. Ainsi, un tableau ne peut être apprécié que pour sa ligne et sa couleur, il n’est pas nécessaire qu’il représente un objet ou une scène naturelle. artiste français, le lithographe et théoricien de l'art Maurice Denis (1870-1943) avait la même idée en tête lorsqu'il écrivait : « Rappelez-vous qu'un tableau, avant de devenir un cheval de guerre ou une femme nue... est essentiellement une surface plane recouverte de couleur. collectés dans un accord spécifique.
Frank Stella
Types d'art abstrait
Pour simplifier les choses, nous pouvons diviser l’art abstrait en six types principaux :
- Curviligne
- Basé sur la couleur ou la lumière
- Géométrique
- Émotionnel ou intuitif
- Gestuelle
- Minimaliste
Certains de ces types sont moins abstraits que d’autres, mais ils impliquent tous de séparer l’art de la réalité.
Art abstrait curviligne
Chèvrefeuille, William Morris, 1876
Ce type est fortement associé à l'art celtique, qui utilise une gamme de motifs abstraits, notamment des nœuds (huit types principaux), des motifs entrelacés et des spirales (y compris le triskel ou le triskelion). Ces motifs n'ont pas été inventés par les Celtes, bien d'autres premières cultures utilisé ces Ornements celtiques depuis des siècles. Cependant, il est juste de dire que les designers celtiques ont inspiré nouvelle vie dans ces modèles, les rendant plus complexes et complexes. Ils sont revenus plus tard au XIXe siècle et étaient particulièrement évidents dans les couvertures de livres, les tissus, les papiers peints et les motifs en chintz tels que les œuvres de William Morris (1834-96) et d'Arthur Maczmurdo (1851-1942). L'abstraction curviligne se caractérise également par le concept de « peinture sans fin » - une caractéristique répandue de l'art islamique.
Art abstrait basé sur la couleur ou la lumière
Nénuphar, Claude Monet
Ce type est illustré dans les œuvres de Turner et Monet, qui utilisent la couleur (ou la lumière) de manière à séparer l'œuvre d'art de la réalité lorsque l'objet se dissout dans un tourbillon de pigment. Citons par exemple les tableaux Nénuphar de Claude Monet (1840-1926), Talisman (1888, Musée d'Orsay, Paris), Paul Séruzier (1864-1927). Plusieurs des peintures expressionnistes de Kandinsky réalisées au sein du Blaue Reiter sont très proches de l'abstraction. Abstraction des couleurs réapparut à la fin des années 40 et dans les années 50 sous la forme de peinture en couleur développée par Mark Rothko (1903-70) et Barnett Newman (1905-70). Dans les années 1950, en France, une variété parallèle de peinture abstraite liée à la couleur, connue sous le nom d’abstraction lyrique, a émergé.
Talisman, Paul Séruzier
Abstraction géométrique
Boogie-Woogie à Broadway, Piet Mondrian, 1942
Ce type d’art abstrait intellectuel existe depuis 1908. Une des premières formes rudimentaires était le cubisme, en particulier le cubisme analytique, qui rejetait perspective linéaire et l'illusion de profondeur spatiale dans la peinture pour se concentrer sur ses aspects bidimensionnels. L'abstraction géométrique est également connue sous le nom d'art concret et d'art sans objet. Comme on pouvait s'y attendre, il se caractérise par des images non naturalistes, généralement des formes géométriques telles que des cercles, des carrés, des triangles, des rectangles, etc. En un sens, ne contenant absolument aucune référence ou lien avec le monde naturel, art abstrait géométrique est la forme la plus pure de l’abstraction. On pourrait dire que l’art concret est à l’art abstrait ce que le véganisme est au végétarisme. L'abstraction géométrique est représentée par le Cercle noir (1913, Musée d'État russe, Saint-Pétersbourg), peint par Kazimir Malevitch (1878-1935) (fondateur du suprématisme) ; Boogie-Woogie on Broadway (1942, MoMA, New York) Piet Mondrian (1872-1944) (fondateur du néo-plasticisme) ; Et Composition VIII(La Vache) (1918, MoMA, New York) de Theo Van Doesburg (1883-1931) (fondateur de De Stijl et d'Elementarism). D'autres exemples incluent les œuvres Address to the Square de Josef Albers (1888-1976) et Op-Art de Victor Vasarely (1906-1997).
Cercle noir, Kazimir Malevitch, 1920
Composition VIII, Théo Van Doesburg
Art abstrait émotionnel ou intuitif
Ce type d'art couvre une combinaison de styles, sujet commun dont il y a une tendance naturaliste. Ce naturalisme transparaît dans les formes et les couleurs utilisées. Contrairement à l’abstraction géométrique, qui est presque anti-nature, l’abstraction intuitive représente souvent la nature, mais de manière moins figurative. Deux sources importantes pour ce type d’art abstrait sont : l’abstraction organique (également appelée abstraction biomorphique) et le surréalisme. Peut-être le plus artiste célèbre Un spécialiste de cette forme d'art était le Russe Mark Rothko (1938-70). D'autres exemples incluent les peintures de Kandinsky telles que Composition n° 4 (1911, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen) et Composition VII (1913, Galerie Tretiakov); Femme (1934, Collection privée) Joan Miró (1893-1983) et Divisibilité indéfinie (1942, Allbright-Knox Art Gallery, Buffalo) Yves Tanguy (1900-55).
Divisibilité indéfinie, Yves Tanguy
Art abstrait gestuel (gestuel)
Sans titre, D. Pollock, 1949
Il s'agit d'une forme d'expressionnisme abstrait où le processus de création d'un tableau devient plus important que d'habitude. Par exemple, la peinture est appliquée d'une manière inhabituelle, les coups sont souvent très lâches et rapides. Parmi les représentants américains notables de la peinture gestuelle figurent Jackson Pollock (1912-56), inventeur de l'Action-Painting, et son épouse Lee Krasner (1908-84), qui l'a inspiré à inventer sa propre technique, appelée « drip painting » ; Willem de Kooning (1904-97), connu pour son travail dans la série Woman ; et Robert Motherwell (1912-56). En Europe, cette forme est représentée par le groupe Cobra, notamment Karel Appel (1921-2006).
Art abstrait minimaliste
Apprendre à dessiner, Ed Reinhardt, 1939
Ce type d’abstraction était une sorte d’art d’avant-garde, dépourvu de toutes références et associations extérieures. C'est ce que vous voyez - et rien de plus. Il prend souvent une forme géométrique. Ce mouvement est dominé par les sculpteurs, même s'il comprend également quelques grands artistes comme Ad Reinhardt (1913-67), Frank Stella (né en 1936), dont les peintures grande échelle et inclure des groupes de formes et de couleurs ; Sean Scully (né en 1945) Artiste irlando-américain dont les formes rectangulaires de couleur semblent imiter les formes monumentales des structures préhistoriques. Également Joe Baer (né en 1929), Ellsworth Kelly (1923-2015), Robert Mangold (né en 1937), Brice Marden (né en 1938), Agnes Martin (1912-2004) et Robert Ryman (né en 1930). 
Elsworth Kelly
Frank Stella
C'est dans la nature humaine de tout trier sur des étagères, de trouver une place pour chaque chose et de lui donner un nom. Cela peut être particulièrement difficile à réaliser dans le domaine de l'art, où le talent constitue une catégorie telle qu'il ne permet pas de regrouper une personne ou un mouvement entier dans une cellule d'un catalogue général ordonné. L'abstractionnisme est justement un tel concept. Cela fait plus d’un siècle qu’on en débat.
Abstractio - distraction, séparation
Les moyens expressifs de peindre sont la ligne, la forme, la couleur. Si nous les séparons de valeurs supplémentaires, liens et associations, ils deviendront idéaux, absolus. Platon a également parlé de la vraie et correcte beauté des lignes droites et formes géométriques. L'absence d'analogie entre ce qui est représenté et les objets réels ouvre la voie à l'influence sur le spectateur de quelque chose d'encore inconnu, inaccessible à la conscience ordinaire. La signification artistique de la peinture elle-même doit être supérieure à l'importance de ce qu'elle représente, car une peinture talentueuse donne naissance à un nouveau monde sensoriel.
C’est ainsi que raisonnaient les artistes-réformateurs. Pour eux, l’abstraction est une manière de rechercher des méthodes dotées d’une puissance inédite.
Nouveau siècle - nouvel art
Les critiques d’art débattent de ce qu’est l’art abstrait. Les historiens de l’art défendent avec passion leur point de vue, comblant les lacunes de l’histoire de la peinture abstraite. Mais la majorité s'accorde sur l'époque de sa naissance : en 1910 à Munich, Vassily Kandinsky (1866-1944) expose son œuvre « Sans titre. (Première aquarelle abstraite).
Bientôt, Kandinsky, dans son livre « Du spirituel dans l’art », proclame la philosophie d’un nouveau mouvement.
L'essentiel est l'impression
Il ne faut pas penser que l'abstraction en peinture est née espace libre. Les impressionnistes ont montré une nouvelle signification de la couleur et de la lumière dans la peinture. En même temps, c'est devenu moins de rôle perspective linéaire, proportions exactes, etc. Tous les grands maîtres de l’époque furent influencés par ce style.
Les paysages de James Whistler (1834-1903), ses « nocturnes » et ses « symphonies », rappellent étonnamment les chefs-d'œuvre des artistes expressionnistes abstraits. À propos, Whistler et Kandinsky possédaient la synesthésie, la capacité de doter les couleurs d'un son d'une certaine propriété. Et les couleurs de leurs œuvres sonnent comme de la musique.
Dans les œuvres de Paul Cézanne (1839-1906), notamment période tardive sa créativité, la forme de l'objet est modifiée, acquérant une expressivité particulière. Ce n'est pas pour rien que Cézanne est appelé le précurseur du cubisme.
Avancement général
L'abstraction dans l'art s'est formée comme un mouvement unique au cours du progrès général de la civilisation. Les intellectuels étaient enthousiasmés par les nouvelles théories de la philosophie et de la psychologie, les artistes cherchaient des liens monde spirituel et le matériau, la personnalité et l'espace. Ainsi, Kandinsky, dans sa justification de la théorie de l'abstraction, s'appuie sur les idées exprimées dans les livres théosophiques d'Helena Blavatsky (1831-1891).
Les découvertes fondamentales en physique, en chimie et en biologie ont changé les idées sur le monde et le pouvoir de l’influence humaine sur la nature. Le progrès technologique a réduit l’échelle de la Terre, l’échelle de l’Univers.
Avec le développement rapide de la photographie, de nombreux artistes ont décidé de lui donner une fonction documentaire. Ils affirmaient : le travail de la peinture n’est pas de copier, mais de créer une nouvelle réalité.
L'art abstrait est une révolution. ET gens talentueux avec des harmonisations mentales sensibles, nous avons senti : le temps du changement social approchait. Ils n'avaient pas tort. Le XXe siècle a commencé et s’est poursuivi avec des bouleversements sans précédent dans la vie de toute la civilisation.
Pères fondateurs
Avec Kandinsky, Kazimir Malevitch (1879-1935) et le Néerlandais Piet Mondrian (1872-1944) sont à l'origine du nouveau mouvement.
Qui ne connaît pas le « Carré Noir » de Malevitch ? Depuis son apparition en 1915, il passionne aussi bien les professionnels que le grand public. Certains y voient une impasse, d’autres un simple outrage. Mais toute l’œuvre du maître parle d’ouvrir de nouveaux horizons dans l’art, d’aller de l’avant.
La théorie du suprématisme (lat. supremus - le plus élevé), développée par Malevitch, affirmait la primauté de la couleur parmi les autres moyens de peinture, comparait le processus de peinture à un acte de création, « l'art pur » au sens le plus élevé. Profond et signes extérieurs Le suprématisme se retrouve dans les œuvres d’artistes, d’architectes et de designers contemporains.
L’œuvre de Mondrian eut la même influence sur les générations suivantes. Son néoplasticisme repose sur la généralisation de la forme et l’utilisation prudente de couleurs ouvertes et non déformées. Des lignes droites noires horizontales et verticales sur fond blanc forment une grille avec des cellules de différentes tailles et les cellules sont remplies de couleurs locales. L’expressivité des peintures du maître encourageait les artistes soit à les comprendre de manière créative, soit à les copier aveuglément. Les artistes et les designers utilisent l'abstraction pour créer des objets très réels. Les motifs Mondrian sont particulièrement courants dans les projets architecturaux.
Avant-garde russe - poésie des termes
Les artistes russes se sont révélés particulièrement réceptifs aux idées de leurs compatriotes, Kandinsky et Malevitch. Ces idées s’inscrivent particulièrement organiquement dans l’ère turbulente de la naissance et de la formation d’un nouveau système social. La théorie du suprématisme a été transformée par Lyubov Popova (1889-1924) et (1891-1956) en pratique du constructivisme, qui a eu une influence particulière sur nouvelle architecture. Les objets construits à cette époque sont encore étudiés par les architectes du monde entier.
Mikhaïl Larionov (1881-1964) et Natalya Gontcharova (1881-1962) sont devenus les fondateurs du rayonnisme ou régionalisme. Ils ont essayé de montrer l'entrelacement complexe de rayons et de plans lumineux émis par tout ce qui remplit le monde environnant.
Alexandra Esther (1882-1949), (1882-1967), Olga Rozanova (1886-1918), Nadezhda Udaltsova (1886-1961) ont participé à différentes époques au mouvement cubo-futuriste, qui a également travaillé sur la poésie.
L'abstractionnisme en peinture a toujours été un représentant d'idées extrêmes. Ces idées ont irrité les autorités État totalitaire. En URSS, et plus tard en Allemagne fasciste les idéologues ont rapidement déterminé quel type d'art serait compréhensible et nécessaire pour le peuple, et au début des années 40 du XXe siècle, le centre de développement de l'art abstrait s'est déplacé en Amérique.
Canaux d'un flux
L'art abstrait est une définition plutôt vague. Partout où l’objet de créativité n’a pas d’analogie concrète avec le monde qui l’entoure, on parle d’abstraction. En poésie, en musique, en ballet, en architecture. DANS beaux-Arts Les formes et les types de cette direction sont particulièrement divers.
On peut distinguer les types suivants d'art abstrait en peinture :
Compositions de couleurs : dans l'espace de la toile, la couleur prime et l'objet se dissout dans le jeu des couleurs (Kandinsky, Frank Kupka (1881-1957), Orphist (1885-1941), Mark Rothko (1903-1970) , Barnett Newman (1905-1970)) .
L’abstraction géométrique est un type de peinture d’avant-garde plus intellectuel et analytique. Il rejette la perspective linéaire et l'illusion de profondeur, abordant la question des relations formes géométriques(Malevitch, Mondrian, l'élémentaliste Theo van Doesburg (1883-1931), Josef Albers (1888-1976), adepte de l'op art (1906-1997)).
Abstractionisme expressif - le processus de création d'une image est ici particulièrement important, parfois la méthode même d'application de la peinture, comme, par exemple, chez les artistes tachi (de tache - tache) (Jackson Pollock (1912-1956), peintre tachi Georges Mathieu (1921-2012), Willem de Kooning (1904-1997), Robert Motherwell (1912-1956)).
Le minimalisme est un retour aux origines de l'avant-garde artistique. Les images sont totalement dépourvues de références et d'associations externes (né en 1936), Sean Scully (né en 1945), Ellsworth Kelly (né en 1923)).
L’art abstrait appartient-il au passé ?
Alors, qu’est-ce que l’art abstrait aujourd’hui ? On peut désormais lire sur Internet que la peinture abstraite appartient au passé. Avant-garde russe, carré noir : qui en a besoin ? L’heure est désormais à la rapidité et à la clarté des informations.
Information : l'un des tableaux les plus chers de 2006 a été vendu pour plus de 140 millions de dollars. Il s'appelle « No. 5.1948 », l'auteur est Jackson Pollock, un artiste abstrait expressif.
Art abstrait tire son nom du latin - Abstrac-tus, qui signifie abstrait, c'est-à-dire non objectif. C'est l'un des domaines de l'art qui est délibérément renonce à l'image du monde réel et des articles de monde réel. Le principal canon de l'abstraction est l'expression de sentiments, d'émotions, d'expériences à l'aide d'images, de symboles et d'une combinaison sensuelle de couleurs. L'art abstrait n'est pas un style ou un genre distinct, mais plutôt une combinaison de divers mouvements artistiques, tels que l'Op Art, l'Expressionnisme et d'autres. Elle est née de manière officielle, vraisemblablement en 1910 en France, où elle s'est développée vigoureusement jusqu'à conquérir le monde entier. Il convient également de dire que cela s'applique non seulement à la peinture, mais aussi à la sculpture, au design et même à l'architecture. Après la Seconde Guerre mondiale, ce style d’art s’est développé sous le nom de Tachisme, donc pour ceux qui ne le savent pas, Tachisme et Art abstrait sont des mots synonymes. En Russie, le développement de l’art abstrait a été entravé de toutes les manières possibles et, même à l’époque du pouvoir communiste, chacune de ses manifestations a été persécutée comme incompatible avec l’idéologie communiste.
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Expressionisme abstrait
L'expressionnisme abstrait, comment l'école new-yorkaise s'est développée en Amérique. Pendant la Seconde Guerre mondiale, presque tous les artistes d’avant-garde ont émigré en Amérique, dont André Breton, Salvador Dali et bien d’autres. Déjà là, en combinant leurs efforts, la soi-disant école d'expressionnisme abstrait est créée. Ce type de peinture caractérisé par une image rapide, à l'aide de gros pinceaux, souvent réalisés avec des traits ou des gouttes, tout cela est fait dans un seul but : transmettre une sorte d'émotion ou d'expression forte. Fondamentalement, l’expressionnisme abstrait est peint sur de grandes toiles monumentales. Une telle échelle, et certaines toiles atteignent cinq mètres de long, excite l’imagination du spectateur. De nombreux artistes voyaient ce type d’art à leur manière, chacun avait son propre style. Par exemple, Gorki a ajouté à ses peintures des figures flottantes ou, comme on les appelait, des hybrides. Jackson Pollock a simplement étalé une toile sur le sol et y a éclaboussé de la peinture. Par la suite, ce style a été appelé Dripping (dripping). Mark Rothko a peint sur ses toiles de grands plans colorés, laissant entre eux des zones non peintes, ce qui a suscité l'intérêt du spectateur et éveillé son imagination. Frank Stella a expérimenté avec les toiles elles-mêmes, en coupant les coins ou en les transformant en polygones. Ainsi, les expressionnistes abstraits ont réalisé tout le contraire de leur art et de l’art de la peinture traditionnelle.
L'art abstrait dans l'art
Art abstrait ou art non objectif. Une des formes d'avant-garde apparues dans la première moitié du XXe siècle. Le critère principal de l’abstractionnisme était le renoncement et le refus de représenter le monde réel, des choses et des événements réels. Les fondateurs de ce mouvement intéressant étaient V. Kandinsky, P. Mondrian et K. Malevich. L'émergence de l'abstraction dans l'art, qui remplacera le réalisme ordinaire, a été prédite par Platon, et est apparue comme un certain modèle de peinture ordinaire ennuyeuse et d'autres avant-gardes (surréalisme, Dada). Et c’est ce qui s’est passé. Ce genre se distingue souvent par une forte impulsivité et des combinaisons de couleurs apparemment aléatoires.
L'émergence de l'art abstrait:
L'abstractionnisme en tant que mouvement est apparu au début du 20e siècle. simultanément dans plusieurs pays européens. Les fondateurs et inspirateurs reconnus de ce mouvement sont les artistes Vassily Kandinsky, Kazimir Malevitch, Piet Mondrian, Frantisek Kupka et Robert Delaunay, qui ont exposé les grands principes de l'art abstrait dans leurs travaux théoriques et leurs déclarations politiques. Différent par leurs buts et objectifs, leurs enseignements étaient unis en une seule chose : l'abstraction comme stade le plus élevé du développement. beaux-Arts crée des formes uniques à l’art. « Libéré » de la copie de la réalité, il se transforme en un moyen de transmission de diverses images figuratives le principe spirituel incompréhensible de l'univers, les « essences spirituelles » éternelles, les « forces cosmiques ».
En tant que phénomène artistique, l'abstractionnisme a eu une énorme influence sur la formation et le développement de l'art moderne. style architectural, design, arts industriels, appliqués et décoratifs.
Caractéristiques de l’art abstrait :
L'abstractionnisme (du latin Abstractus - abstrait) est l'un des principaux directions artistiques dans l'art du XXe siècle, dans lequel la structure de l'œuvre repose exclusivement sur des éléments formels - ligne, tache de couleur, configuration abstraite. Les œuvres d'art abstrait sont détachées des formes de vie elles-mêmes : les compositions non objectives incarnent les impressions subjectives et les fantasmes de l'artiste, le flux de sa conscience ; elles donnent lieu à des associations libres, à un mouvement de pensée et à une empathie émotionnelle.
Depuis l’avènement de l’Art Abstrait, deux axes principaux s’y sont dégagés :
- D'abord – géométrique, ou abstraction logique, créant de l'espace en combinant des formes géométriques, des plans colorés, des lignes droites et brisées. Elle s'incarne dans le suprématisme de K. Malevitch, le néoplasticisme de P. Mondrian, l'orphisme de R. Delaunay, dans l'œuvre des maîtres de l'abstraction post-picturale et de l'op art ;
- La seconde est l'abstraction lyrique-émotionnelle, dans lequel les compositions sont organisées à partir de formes et de rythmes fluides, est représenté par le travail de V. Kandinsky, les œuvres des maîtres de l'expressionnisme abstrait, du tachisme et de l'art informel.
Maîtres d'art abstrait :
Vassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Frantisek Kupka, Paul Klee, Piet Mondrian, Theo Van Doesburg, Robber Delaunay, Mikhail Larionov, Lyubov Popova, Jackson Pollock, Josef Albers et d'autres.
Peintures d'artistes :
