Art de la première Renaissance (Quattrocento)
Début du XVe siècle marqué par une crise politique aiguë, à laquelle participent la République florentine et Venise, d'une part, le duché de Milan et le royaume de la Villa Médicis de Naples, d'autre part. Cela a pris fin, qui a duré de 1378 à 1417. schisme de l'église, et au Concile de Constance, le pape Martin V fut élu, choisissant Rome comme résidence. L'équilibre des forces politiques en Italie a changé : la vie de l'Italie était déterminée par des États régionaux tels que Venise, Florence, qui a conquis ou acheté une partie des territoires des villes voisines et atteint la mer, et Naples. La base sociale de la Renaissance italienne s'est élargie. Les écoles d’art locales dotées de longues traditions sont florissantes. Le principe laïc devient décisif dans la culture. Au XVe siècle les humanistes ont occupé à deux reprises le trône papal.
« Ni le ciel ne lui semble trop haut, ni le centre de la terre trop profond. Et puisque l’homme a appris la structure des corps célestes et comment ils se déplacent, qui nierait que le génie de l’homme… soit presque le même. Marsile Ficin Pour Début de la Renaissance caractérisé par le dépassement des traditions gothiques tardives et le recours au patrimoine antique. Toutefois, ce renversement n’est pas dû à l’imitation. Ce n'est pas un hasard si Filarete a inventé son propre système de commande.
« Imitation de la nature » par la compréhension de ses lois - idée principale traités sur l'art de cette époque.
Si au XIVe siècle. l'humanisme fut majoritairement la propriété des écrivains, des historiens et des poètes, puis dès les premières années du XVe siècle. les quêtes humanistes pénètrent dans la peinture.
Virtu (valeur) - ce concept emprunté aux anciens stoïciens a été adopté par l'humanisme florentin de la fin du XIV-1er étage. XVe siècles Place prépondérante dans l'humanisme du dernier tiers du XVe siècle. a pris le dessus sur le néoplatonisme, dans lequel le centre de gravité s'est déplacé des questions morales et éthiques vers les questions philosophiques. Tous les humanistes de ce siècle sont unis par l'idée de l'homme comme la création la plus parfaite de la nature.
Les changements dans la position de l'artiste sont dus au fait qu'au début du siècle la Seigneurie de Florence a confirmé la règle oubliée depuis longtemps, selon laquelle les architectes et les sculpteurs ne pouvaient pas faire partie de l'organisation corporative de la ville dans laquelle ils travaillaient. . Conscients de la valeur de l'unicité artistique, les créateurs d'œuvres commencent à signer leurs créations. Ainsi, sur les portes du baptistère florentin, il est écrit : « Une merveilleuse œuvre d'art de Laurentius Cione de Ghiberti ». Dans la seconde moitié du XVe siècle. Dessiner d’après modèle et croquis grandeur nature deviennent obligatoires.
Le premier architecte italien qui s'est inspiré de l'héritage romain antique fut Leon Battista Alberti (1404-1472). La beauté était absolue et primordiale pour Alberti. Sur cette compréhension de la beauté, Alberti a fondé sa doctrine de la concinnitas (consonance, accord) de toutes choses. En lien avec le concept de proportionnalité, un intérêt pour les lois des relations numériques harmoniques et des proportions parfaites apparaît également. Certains, comme Filarete, les recherchaient dans la structure du corps humain, d'autres (Alberti, Brunelleschi) - dans les relations numériques de l'harmonie musicale.
« La beauté est une harmonie proportionnelle de toutes les parties, unies par ce à quoi elles appartiennent, de telle sorte que rien ne peut être ajouté, soustrait ou modifié sans aggraver la situation », pensait Alberti.
Une autre découverte du Quattrocento est la perspective directe. F. Brunelleschi fut le premier à l'utiliser dans deux vues de Florence. En 1416, il fut utilisé par l'ami de Brunelleschi, le sculpteur Donatello, dans les reliefs « La Bataille de Saint-Pierre ». Georges avec le Dragon", et vers 1427-1428. Masaccio a créé une structure en perspective dans la fresque de la Trinité. Alberti a donné un développement théorique détaillé des principes de la perspective dans son Traité de peinture. La méthode de projection n'était pas basée sur des images d'objets individuels, mais sur la connexion spatiale des objets, dans laquelle chaque objet individuel perdait son apparence stable. L’image en perspective est conçue pour l’effet de présence, elle impliquait donc de dessiner d’après la réalité d’un point de vue fixe. La perspective implique la transmission de la lumière, de l'ombre et des relations ton-couleur.
Architecture du Quattrocento
L'essence et les modèles de l'architecture sont déterminés par les théoriciens du XVe siècle. son service à l'homme. Par conséquent, l'idée tirée de Vitruve sur la similitude d'un bâtiment avec une personne devient populaire. Les formes du bâtiment étaient comparées aux proportions du corps humain. Les théoriciens de l'architecture ont également vu le lien entre l'architecture et l'harmonie de l'univers. En 1441, on retrouve un traité de Vitruve dont l'étude contribue à l'assimilation des principes du système d'ordre. Les architectes ont essayé de construire un modèle de temple idéal. Selon Alberti, en plan, il devrait ressembler à un cercle ou à un polyèdre inscrit dedans.
Baptistère (grec baptisterion - fonts) - chambre baptismale, salle pour le baptême. Au début du Moyen Âge, en raison de la nécessité de baptêmes de masse, les baptistères étaient construits séparément de l'église. Le plus souvent, les baptistères étaient construits de forme ronde ou à facettes et recouverts d'une coupole.
Un résultat logique du développement de la théorie de la perspective a été le développement des lois des proportions - les relations spatiales des éléments individuels d'un bâtiment (la hauteur de la colonne et la largeur de l'arc, le diamètre moyen de la colonne et sa hauteur ).
La fascination pour l'Antiquité était caractéristique des maîtres du Quattrocento, mais chaque créateur créait et était conscient de son propre idéal de l'Antiquité.
Au XVe siècle des concours ont commencé à être organisés pour accorder le droit à tout projet d'art. Ainsi, au concours de 1401 pour la fabrication des portes nord en bronze du baptistère, participent aussi bien des maîtres célèbres que des jeunes de vingt ans. Lorenzo Ghiberti et Filippo Brunelleschi. Le thème de l'image était "Le sacrifice d'Abraham" sous forme de relief. Ghiberti a gagné. En 1418, le concours pour la construction de la coupole de la cathédrale Santa Maria del Fiore fut remporté par Brunelleschi (1377-1446), architecte, mathématicien et ingénieur. Le dôme était censé couronner la cathédrale, construite au début du XIIIe siècle. et agrandi au 14ème siècle. La difficulté était que le dôme ne pouvait pas être érigé en utilisant la méthode alors connue techniques. Brunelleschi a dérivé sa méthode des techniques de maçonnerie en pierre romaine antique, mais a modifié la forme de la structure en forme de dôme. L'immense dôme légèrement pointu (diamètre - 42 m) se composait de deux coques, la charpente principale - de 8 nervures principales et de 16 supplémentaires, reliées entre elles par des anneaux horizontaux qui absorbent la poussée.
L'incarnation architecturale de l'essence de la Renaissance était la loggia créée par Brunelleschi sur la façade de l'orphelinat de Florence. Revenant aux fondements de l'architecture romaine antique, en s'appuyant sur les principes de la Proto-Renaissance et sur tradition nationale Architecture italienne, Brunelleschi se montre réformateur en créant le portique de l'Orphelinat, une institution caritative. La forme de la façade était nouvelle. Le portique était plus large que l'orphelinat lui-même, auquel était attenant à droite et à gauche une autre travée. Cela créait une impression de large extension, qui s'exprimait dans l'espace des travées cintrées des arcades et était soulignée par la hauteur relativement faible du deuxième étage. L'édifice manquait de formes gothiques ; au lieu d'orienter l'édifice en hauteur ou en profondeur, Brunelleschi emprunta à l'Antiquité l'équilibre harmonieux des masses et des volumes.
Le relief aplati (italien relief schiacciatto) est un type de bas-relief dans lequel l'image s'élève le moins au-dessus de l'arrière-plan et les plans spatiaux sont rapprochés de la limite.
Brunelleschi est reconnu pour avoir été la première mise en œuvre pratique de la perspective directe. Même dans l’Antiquité, les géomètres basaient l’optique sur l’hypothèse que l’œil était relié à l’objet observé par des rayons optiques. La découverte de Brunelleschi fut qu'il coupa cette pyramide optique avec un plan image et obtint une projection exacte de l'objet sur le plan. Utiliser les portes Cathédrale de Florence Comme cadre naturel, Brunelleschi a placé devant eux une projection du baptistère (le bâtiment baptismal situé devant la cathédrale), et cette projection à une certaine distance coïncidait avec la silhouette de l'édifice.
Tous les projets de Brunelleschi n'ont pas été réalisés conformément à ses plans.
Michelozzo di Bartolommeo, élève de Brunelleschi, a créé le palais Médicis - un palais de trois étages de plan carré, avec une cour carrée au centre.
Leon Batista Alberti (1404-1472) - philosophe humaniste de formation diversifiée qui a travaillé à Florence, Ferrare et Rimini. Alberti a été le premier architecte, se concentrant principalement sur l'héritage romain antique, qui a profondément compris la signification de l'architecture romaine. Les contemporains étaient déconcertés par la nature inhabituelle des bâtiments religieux d'Alberti ; Pour le pape Pie Ier, l'église Saint-François de Rimini ressemblait à un temple païen ; l'église Saint-Sébastien de Mantoue ressemblait à la fois à une église et à une mosquée. Alberti a créé le Palazzo Ruccellai à Florence avec des murs lisses dépourvus de rustication, un encadrement élégant des portails et des fenêtres et une décoration ordonnée de la façade. Dans la conception de l'église mantouane de Sant'Andrea, Alberti a combiné la forme basilique traditionnelle du temple avec un toit en forme de dôme. Le bâtiment se caractérise par la majesté des arcs de la façade et la grandeur de l'espace intérieur. Un large entablement traversait le mur horizontalement. Le portique et sa voûte, dont les nervures furent remplacées par une coupole plate, revêtirent une importance décisive.
La plupart des autres architectes ont réussi à combiner le rôle de concepteur avec les fonctions de surintendants.
Peinture du XVe siècle.
La peinture est avant tout une peinture monumentale, c'est-à-dire fresque. Une particularité de la fresque est la nécessité d’utiliser une quantité limitée de colorants associés à la chaux. Parmi les peintures sur chevalet, l'autel commence à jouer un rôle de plus en plus important. Il ne s'agit pas d'un autel gothique avec plusieurs portes, mais d'une seule composition - un tableau d'autel, ce qu'on appelle. pal. Sous la peinture de l'autel se trouvent plusieurs petites peintures allongées horizontalement, formant une étroite bande de prédelle. Dans la première moitié du siècle, un portrait laïc indépendant apparaît. L'un des premiers artistes de l'époque fut Masaccio (de son vrai nom - Tommaso di Giovanni di Simone Cassai) (1401-1428). Oeuvres principales : « Vierge à l'Enfant et aux Anges », « Crucifixion », « Adoration des Mages », « Trinité ».
Dans la fresque de la chapelle Brancacci de l'église de Santa Maria del Carmine, « Le Miracle du Statère », Masaccio relie trois épisodes : le Christ, à qui le percepteur demande de l'argent ; Le Christ ordonnant à Pierre d'attraper un poisson pour en retirer une pièce de monnaie ; Peter donne l'argent. Masaccio rend le deuxième épisode central parce qu'il avait besoin de montrer que les événements dépendent de la volonté impérieuse du Christ.
Fra Beato Angelico (1395-1455). En 1418, il prononça ses vœux monastiques au monastère dominicain de Fiesole, désormais appelé Fra (frère) Giovanni. En 1438, il s'installe au monastère de Saint-Marc à Florence, où il dessine l'image du maître-autel et les cellules des moines. La plupart œuvre célèbre Fra Angelico est devenue la fresque de l'Annonciation.
Filippo Lippi (vers 1406-1469) se retrouva très jeune sans parents ; en 1421, il prononça ses vœux monastiques au monastère de Santa Maria del Carmine. Filippo a peint des retables pour les églises florentines de San Spirito, San Lorenzo, Sant'Ambrogio, de petits retables en forme de tondo, qui étaient généralement offerts en cadeau pour un mariage ou à l'occasion de la naissance d'un enfant. Il fut patronné par les Médicis. Piero della Francesca (1420-1492) est né à San Sepolcro et tout au long de sa vie, malgré des absences constantes, il retourna travailler dans sa ville natale. En 1452-1458. Piero della Francesca a peint la chapelle principale de l'église San Francesco d'Arezzo avec des fresques sur l'histoire de la croix vivifiante.
Andrea della Verrocchio (1435-1489) fut l'un des favoris des Médicis, pour le compte desquels il effectua des travaux dans l'église de San Lorenzo.
Domenico Ghirlandaio (1449-1494) travaillait à Florence pour des marchands et des banquiers proches de la maison Médicis. Dans ses compositions, il représente souvent ses concitoyens comme des personnages de l'histoire sacrée.
Pérugin (1450-1523). Vrai nom - Pietro Vannucci, est né près de Pérouse, d'où son surnom de Pérugin. À Rome en 1481, il peint avec d'autres la chapelle de Florence avec des scènes de l'Ancien et du Nouveau Testament et crée des compositions d'autel commandées par des églises et des monastères du nord de l'Italie.
Bernardino di Betto, surnommé Pinturicchio parce que contesté verticalement(1454-1513), réalise des fresques, des miniatures sur sujets littéraires. L'œuvre la plus célèbre de Pinturicchio était les décorations en stuc et les fresques des salles papales du Vatican.
Andrea Mantegna (1431-1506) était le peintre de la cour du duc de Gonzague à Mantoue, il peignait des tableaux, créait des gravures et décorait des spectacles. En 1465-1474. Mantegna a conçu le palais municipal de Lodovico Gonzaga et de sa famille.
Le dernier des grands maîtres du Quattrocento est considéré comme Sandro Botticelli (1445-1510), proche des néoplatoniciens florentins dans son aspiration vers l'autre monde, le désir d'aller au-delà des formes naturelles et de l'histoire. Premières œuvres Botticelli se distingue par un lyrisme doux. Il peint des portraits pleins de vie intérieure. Il s'agit de Giuliano Médicis, dont le visage est empreint de tristesse. Dans « Portrait de Cimonetta Vespucci », Botticelli représente une jeune femme debout, de profil, dont le visage exprime l'estime de soi. Dans les années 90 il réalise le portrait de Lorenzo Lorenziano, un scientifique qui se suicide en 1504 dans un accès de folie. L'artiste représente une image presque sculpturale tangible.
Le « Printemps » marque le début de l’apogée de l’activité de Botticelli, sa renommée atteint Rome : au milieu d’une prairie fleurie se dresse Vénus, la déesse de l’amour, représentée sous la forme d’une jeune fille élégamment habillée. Cupidon plane au-dessus de Vénus, les yeux bandés, et tire une flèche enflammée dans l'espace. A droite de Vénus, les Trois Grâces mènent une danse en rond. Près des grâces dansantes se tient le messager des dieux, Mercure, levant son bâton - le caducée. Sur le côté droit de l’image, le dieu du vent Zéphyr vole des profondeurs du fourré, incarnant le principe élémentaire de la nature. Botticelli a écrit « La Naissance de Vénus » en 1482-1483. à la demande Laurent Médicis. La mer s'approche tout au bord de l'image, une coquille rose doré flotte à sa surface, sur la boucle de laquelle se tient une Vénus nue. Les roses tombent à ses pieds, les vents dirigent la coquille vers le rivage, où la nymphe a préparé un manteau tissé de fleurs.
Il est probable que Botticelli ait mis dans l’image un sous-texte tiré du néoplatonisme. "La Naissance de Vénus" n'est en aucun cas un chant païen beauté féminine. Il contient l'idée du christianisme sur la naissance de l'âme de l'eau lors du baptême. Le corps nu de la déesse signifie la pureté, la nature est représentée par ses éléments : l'air est Éole et Borée, l'eau est une mer verdâtre avec des boucles ornementales de vagues. Cela concorde avec la façon dont le directeur de l'Académie florentine, Marsile Ficin, interprétait le mythe de la naissance de Vénus comme la personnification de l'âme qui, grâce au principe divin, est capable de créer de la beauté. Pour Botticelli, il n’y a pas de frontière infranchissable entre l’Antiquité et le christianisme. L'artiste introduit dans ses tableaux religieux images antiques. L'une des peintures célèbres à contenu religieux est « La Glorification de la Madone », créée en 1483-1485. La Madone est représentée trônant, entourée d'anges, avec l'Enfant Jésus sur ses genoux. La Madone tend sa plume pour écrire des mots dans le livre alors qu'elle commence une prière en son honneur. Après le « Magnificat », Botticelli crée une série d'œuvres dans lesquelles le spiritualisme s'intensifie de plus en plus, les échos gothiques se manifestent dans l'absence d'espace, dans l'exaltation des images.
La sculpture de la Renaissance incarnait l'anthropocentrisme de la Renaissance. Les sculpteurs de la Renaissance italienne ont individualisé l'image non seulement en termes de personnification physionomique, mais aussi en tant que conscience spirituelle de l'individu. caractéristique principale sculptures du 15ème siècle - sa séparation du mur et de la niche de la cathédrale.
Donatello (de son vrai nom Donato di Niccolo di Betto Bardi) (1386-1466) est crédité de l'invention type spécial relief dont l'essence réside dans les plus fines gradations de volumes, dans lesquels les figures les plus avancées sont sculptées en haut-relief, les plus éloignées dépassent légèrement du fond. En même temps, l’espace est construit de manière perspective et permet d’accueillir de nombreux personnages. Ce sont les reliefs représentant les miracles de St. Antoine de l'autel de l'église de Sant'Antonio de Padoue. Le premier relief aplati de Donatello fut le panneau "Saint Georges terrassant le dragon", créé vers 1420. La majeure partie de l'image est aplatie et aplatie, limitée par un contour profondément incisé, souvent réalisé selon la technique du sillon incliné.
En 1432 à Rome, Donatello rencontra Art ancien et en vient à sa propre interprétation de l'esprit de l'Antiquité, dans laquelle il est attiré par la transmission d'excitation émotionnelle et de sentiments dramatiques. Donatello a relancé le chiasme utilisé dans la sculpture ancienne - le décor d'une figure dans laquelle le poids du corps est transféré sur une jambe, et donc la hanche montante correspond à l'épaule abaissée et vice versa.
Sur la place devant l'église de Sant'Antonio de Padoue en 1447-1453. Donatello érige le premier monument en bronze à Gattamelata dans l'art moderne.
S. Botticelli. Naissance de Vénus. Fragment
Les principes créatifs et révisés de l'ancien système d'ordre ont été établis dans l'architecture et de nouveaux types de bâtiments publics ont émergé.Filippo Brunellesco. 1377 – 1446. Orphelinat (hôpital) - Ospedale degli Innocenti à Florence. 1421-44.
Brunellesco. Chapelle Pazzi à Florence. Commencé en 1429.
Léon Battista Alberti. 1404-1472.
Figure centrale de la Renaissance avec Brunellesco.
Palais Rucellai à Florence. 1446-51.
Alberti. Façade de l'église de Santa Maria Novella à Florence. 1456-70.
Sculptures à Florence
Donatello (Donato di Niccolo di Betti Bardi). 1386-1466.Il se place à la tête des maîtres qui marquent le début de l’épanouissement de la Renaissance.
Dans l’art de son temps, il s’est comporté en véritable innovateur :
Les images qu'il a créées sont la première incarnation de l'idéal humaniste d'une personnalité pleinement développée.
Basé sur une étude approfondie de la nature.
Habilement utilisé le patrimoine ancien.
Il fut le premier des maîtres de la Renaissance à résoudre le problème du positionnement stable de la figure.
Il fait revivre l'image de la nudité dans la sculpture statuaire.
Coulez le premier monument en bronze.
J'ai essayé d'être le premier à résoudre le problème d'un groupe autonome.
Il participe à la décoration de la cathédrale Santa Maria del Fiore :
statue en marbre de David.
Lorenzo Ghiberti. 1378-1455.
Portes orientales du baptistère de Florence. 1425-52. Bronze doré.
Ghiberti.
L'histoire de Joseph.
Ghiberti. Portes orientales du baptistère de Florence. Noé et le déluge. 1425-52. Fragment.
Andrea Verocchio (Verocchio).
1435 – 1488.David. Bronze. 1476.
Peinture de Florence
Après la sculpture, il y a un tournant dans la peinture.Masaccio. 1401-1428.
Saint Pierre guérissant les malades avec son ombre. 1425-26.
Fra Filippo Lippi. 1406-1469.
Polaiolo, Antonio. 1429 – 1493. Hercule et Antée.
Andréa Mantegna. 1431 – 1506. Christ mort. 1490.
Mantegna. Lodovico Gonzago, duc de Mantoue et sa famille. Caméra degli Sposi. Fragment du mur nord. 1471-74.
L'art de la première Renaissance italienne a été présenté nouvelle peinture, sculpture et architecture. Les premiers grands maîtres de la peinture furent Giotto (1266-1337) et Masaccio (1401-1428), artistes florentins. Ils peignaient sur des sujets religieux (peinture à fresque des murs à l'intérieur des églises), mais donnaient à leurs images des caractéristiques réalistes. Giotto fut le premier artiste à libérer la peinture italienne de l'influence de la peinture d'icônes byzantine.
Un sculpteur majeur de cette période fut Donatello (1386-1466). Le plus grand architecte de la première Renaissance fut Brunelleschi (1377-1445). Le renouveau s'est déroulé de manière ambiguë : les artistes ont suivi des chemins propres, parfois différents. Le principe laïc, le désir d'un récit fascinant et un sentiment terrestre lyrique ont trouvé une expression vivante dans les œuvres de Fra Filippo Lippi (1406-1469), moine de l'ordre des Carmes. Un maître charmant, auteur de nombreuses compositions d'autel, parmi lesquelles le meilleur est considéré comme le tableau «Adoration de l'enfant», créé pour la chapelle du palais Médicis. Vers la fin du XVe siècle. les principes, les formes et les images de l'art nouveau devinrent la propriété de toute l'Italie. Les fondations sont en place nouveau système genres, une richesse d'expérience s'est accumulée dans la connaissance artistique de l'homme et du monde qui l'entoure. L'impact du nouveau art italien dans d'autres pays européens. L'étape de la Première Renaissance s'achève, préparant l'essor puissant de tous les types d'art au cours de la Haute Renaissance.
BILLET N°13
La troisième période de la Renaissance - l'époque du développement le plus magnifique de son style - est généralement appelée " Haute Renaissance" Elle s'étend en Italie de 1500 environ à 1527. A cette époque, le centre d'influence de l'art italien se déplace de Florence à Rome, grâce à l'accession au trône papal de Jules II, un homme ambitieux, courageux et entreprenant qui l'attire à sa cour. meilleurs artistes L'Italie, qui les a occupés avec des œuvres nombreuses et importantes et a donné aux autres un exemple d'amour pour l'art. Sous ce pape et sous ses successeurs immédiats, Rome devient pour ainsi dire la nouvelle Athènes du temps de Périclès : de nombreux édifices monumentaux y sont construits, de magnifiques œuvres sculpturales sont créées, des fresques et des peintures sont peintes, qui sont encore considérées comme les perles de peinture; en même temps, les trois branches de l’art vont harmonieusement de pair, s’entraident et s’influencent mutuellement. L'Antiquité est désormais étudiée de manière plus approfondie, reproduite avec plus de rigueur et de cohérence ; le calme et la dignité remplacent la beauté enjouée qui était l'aspiration de la période précédente ; les souvenirs du Moyen Âge disparaissent complètement et une empreinte tout à fait classique tombe sur toutes les créations artistiques. Mais l'imitation des anciens n'étouffe pas leur indépendance chez les artistes, et eux, avec une grande ingéniosité et une vivacité d'imagination, retravaillent et appliquent librement à leur travail ce qu'ils jugent approprié d'emprunter pour eux-mêmes à l'art gréco-romain antique.
L'œuvre de trois grands maîtres italiens marque l'apogée de la Renaissance : Léonard de Vinci (1452 - 1519), Michel-Ange Buonarotti (1475 - 1564) et Raphael Santi (1483 - 1520).
Titans de la Renaissance
Les titans de la Renaissance italienne sont les trois sommets de l'art : Léonard de Vinci, Raphaël et 
Michel-Ange. Pourquoi les appelle-t-on « titans » ? Dans la mythologie antique, les titans étaient ceux qui osaient défier les dieux, voulant se comparer aux dieux au pouvoir. Mais les dieux de l'Olympe punirent cruellement les orgueilleux et les renversèrent dans le Tartare. L'un des Titans était Prométhée, qui a également défié les dieux d'aider la race humaine. Il a donné du feu aux gens, mais il est lui-même devenu victime de la vengeance des dieux : il a été enchaîné à un rocher et un cerf-volant lui a picoré le foie.
Les Titans de la Renaissance, comme les anciens demi-dieux, défièrent le Ciel. Contrairement à l'idée médiévale de l'insignifiance de l'homme, de sa faiblesse et de son caractère pécheur devant le Dieu tout-puissant, ils affirmaient la grandeur de l'homme, l'infinité de ses capacités et la richesse de ses talents, et pas du tout. en paroles, mais en actes, par votre propre exemple. Il est difficile d’imaginer combien de talents étaient contenus dans une seule personne !
Léonard de Vinci combinait les talents d'un scientifique (mathématiques, mécanique, optique, physique, biologiste, anatomiste, etc.), d'un artiste (dessinateur, peintre, sculpteur et architecte), d'un philosophe et d'un écrivain. Michel-Ange était à la fois sculpteur, peintre, architecte et poète. Raphaël n’avait peut-être pas autant de facettes, mais son don artistique était si parfait qu’on l’appelait déjà de son vivant Santi, c’est-à-dire « divin ».
Jetez un œil au dernier autoportrait de Léonard. Nous voyons une personne qui a vécu beaucoup de choses dans la vie. Les cheveux et la barbe coulent sur son visage, lui donnant l'apparence d'un sage sorcier qui a révélé des secrets inaccessibles aux simples mortels. Un regard pénétrant, les commissures des lèvres sont baissées, ce qui exprime la déception. Les vers du roi Salomon tirés du livre « Ecclésiaste » de l’Ancien Testament me viennent à l’esprit : « La connaissance augmente le chagrin. » Léonard de Vinci est l'image d'un artiste-sage. Son érudition s'efforce de pénétrer tous les coins du monde. Il veut même connaître et mesurer la beauté à l’aide d’un compas et d’une règle. Et il réussit. Comprendre les secrets les plus intimes de la nature est l'âme de Léonard.
Raphaël - génie brillant, ange de la Renaissance. Tout lui était facile. Il ne souffre pas, son esprit ne se précipite pas à la recherche de la vérité. La vérité elle-même se révèle à lui - en beauté, et il l'incarne si parfaitement que personne n'a pu le surpasser depuis lors. Ce brillant génie de la Renaissance s'est éteint prématurément. A 38 ans, presque comme Pouchkine. Sa mort a été pleurée par tout Rome. Vasari a dit que des gens comme Raphaël, richement doués de beauté et de talent, de caractère doux, de modestie et de grâce, ne sont pas des personnes, mais des dieux mortels. Michel-Ange est un vrai titan. Toujours en lutte avec soi-même, le monde et Dieu. Une impulsion colossale, la foi en une personne. Il a lui-même déclaré : « Il n’y a pas encore une personne née au monde qui, comme moi, soit aussi encline à aimer les gens. » Michel-Ange a connu la montée des idéaux de la Renaissance et leur effondrement tragique.
L'apparition de personnalités culturelles aussi remarquables que Léonard de Vinci, Raphaël et Michel-Ange n'était pas fortuite. Elle témoigne de profonds changements dans les attitudes à l’égard de l’art en général et de l’artiste en particulier. 
Au Moyen Âge, la personnalité de l’artiste n’avait pas d’importance. Lors de la création d’une œuvre d’art, le maître se considérait uniquement comme un instrument entre les mains de Dieu. Les œuvres n'étaient pas signées, car on croyait que leur véritable auteur était Dieu lui-même.
Le créateur d'œuvres d'art ne s'appelait pas un artiste dans un sens élevé, que nous mettons dans ce mot aujourd'hui. Peintres d'icônes, bâtisseurs de cathédrales, etc. étaient considérés comme de simples artisans. Ces opinions ont persisté pendant longtemps.
Lorsque Michel-Ange décide de devenir sculpteur, son père le lui interdit, considérant un tel métier indigne de la glorieuse famille Buonar Roti ; il ne voyait tout simplement pas la différence entre un sculpteur et un tailleur de pierre.
BILLET N°15
REVIVATION NORD La Renaissance du Nord est un terme utilisé pour décrire la Renaissance en Europe du Nord, ou plus généralement dans toute l'Europe hors d'Italie, au nord des Alpes.
Désignation adoptée dans l'histoire de l'art moderne pour la période de développement culturel et idéologique des pays situés au nord de l'Italie (principalement les Pays-Bas, l'Allemagne et la France dans le 1er tiers des XVe-XVIe siècles ; chaque pays a sa propre périodisation), transitoire depuis culture médiévaleà la culture des temps nouveaux. Contrairement à la Renaissance italienne ( cm. REVIVAL (Renaissance)), pour Renaissance du Nord caractérisé par une grande persistance des traditions médiévales, un intérêt pour le caractère unique d'une personne et de son environnement (y compris l'intérieur, la nature morte, le paysage). Les plus grands représentants de la Renaissance nordique : Van Eyck ( cm. VAN EYCK), H. Bosch ( cm. BOSCH Jérôme), P. Bruegel l'Ancien ( cm. BRUEGEL Pieter l'Ancien) - aux Pays-Bas ; A. Dürer ( cm. DURER Albrecht), M. Niethard ( cm. NITHARDT Mathis), L. Cranach l'Ancien ( cm. CRANACH Lucas l'Ancien), H. Holbein le Jeune ( cm. HOLBEIN Hans le Jeune) - en Allemagne ; J. Fouquet( cm. FOUQUET Jean), F. Clouet ( cm. CLOUE), J. Goujon ( cm. GOUJON Jean) - en France.
architecture du 17ème siècle Lorenzo Bernini (1598-1680) - est devenu le chef d'orchestre de la ligne officielle des papes dans l'art de la période baroque, se positionne comme un maître universel, capable de s'engager de manière tout aussi fructueuse dans la peinture, l'architecture et la sculpture. Mais il s'est avéré être un artiste faible, et en architecture il est resté un amateur doué, capable de développer une idée, un programme d'œuvre, laissant tous les tracas des calculs, du support technique et de la mise en œuvre effective à la grande armée de sculpteurs et architectes adjoints de son propre atelier romain. Il s'est laissé des honoraires énormes et une renommée.
· Francesco Borromini (1599-1667) - s'occupait uniquement d'architecture. Il est un architecte virtuose et un maître du dessin, qu'il a exercé avec succès alors qu'il était encore à Milan. Les dessins de Borromini étaient inégalés en termes d'excellence professionnelle dans l'Italie du XVIIe siècle. Poussé en marge de la pratique architecturale à Rome, il devient architecte pour des ordres monastiques. Son travail est donc d’une modestie injustifiée. Mais significatif valeur artistique et la popularité des œuvres de Boromini dépassera les frontières de l'Italie et trouvera de véritables successeurs et descendants chez des personnalités créatives, dont Nicolo Michetti (Palais Konstantinovsky, Strelna, Empire russe) ou Jan Blazej Santini Aihl (République tchèque).
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Plan de l'église de Sant'Ivo alla Sapienza
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Cour de Sant'Ivo alla Sapienza
Sant'Ivo, gravure ancienne de 1695
Composition du palais et de l'église de Sant'Ivo.
Jardin baroque italien
Villa Aldobrandini.
Le jardin baroque de type italien est une suite logique du jardin Renaissance. Les jardins de la Renaissance étaient encore de petite taille et manquaient de splendeur. Ils ont utilisé une fontaine avec une sculpture, des bancs et des pots avec des citronniers. Le palais ou la villa dominait tout. Les terrasses ne sont pas encore subordonnées à un seul concept artistique, les unes aux autres et au palais. L'étroitesse des bâtiments à l'intérieur des murs de la forteresse de la ville ne permettait pas la création de jardins dans les villes, et ceux-ci apparaissaient à la périphérie (jardins de Boboli à Florence) ou à la campagne.
L'art de l'Italie au XVIIIe siècle
[modifier] Baroque tardif
Le baroque, né et mûri en Italie, est resté plus longtemps dans l'art national que dans les autres pays européens. Petit à petit, des traits de crise et de fatigue commencent à s'accumuler en lui. Déjà dans les œuvres de Carlo Maratta (1625-1713), la peinture baroque perd sa dignité et sa véracité, qui sont remplacées par la bravoure et le pathétique peu sincère. Le chercheur J. Argan a noté avec amertume : « Sa peinture au service des dirigeants symbolise des choses banales, cachées derrière l'autorité de Raphaël et du Titien. » Mais la peinture baroque en Italie n'avait pas encore perdu la capacité de se renouveler et de raconter la nature, l'histoire et le monde des sentiments humains, tant dans les œuvres de maîtres provinciaux (Crespi, Vittore Ghislandi) que dans la peinture décorative (Giovanni Battista Tiepolo). Le baroque en déclin conservera longtemps sa place dans l'art théâtral et décoratif de l'Italie et de nombreux pays européens (Andrea Pozzo, Ferdinando Bibiena, Giuseppe Valeriani).
Mais le centre des recherches artistiques en Europe se déplace enfin en France.
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Crespi. Sibylle Kumskaya, Enée et le passeur Charon, 1705
Giacomo Ceruti. "Trois mendiants", 1736
Lorenzo Tiepolo. Portrait de Cécilia Guardi
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Vittore Ghislandi. Jeune artiste , 1732
BILLET N°17
Caravage et caravagisme
Caravaggio (Caravaggio ; en fait Merisi da Caravaggio, Merisi da Caravaggio) Michel-Ange (28.9.1573, Caravaggio, Lombardie, - 18.7.1610, Porto Ercole, Toscane), peintre italien. Fondateur direction réaliste dans la peinture européenne du XVIIe siècle.
Il étudia à Milan (1584-88) avec S. Peterzano. Entre 1589 et 1593, il vient à Rome, où il travaille jusqu'en 1606, puis à Naples (1607 et 1609-10), sur l'île de Malte et en Sicile (1608-09). L'œuvre de K., qui n'appartient à aucune école d'art particulière, s'inscrit en opposition aux tendances dominantes de l'art italien de la fin du XVIe et du début du XVIIe siècle. (maniérisme et académisme).
Premières œuvres K. (entre 1592 et 1598), avec leur couleur sonore et leur clair-obscur transparent, révèlent un lien avec les traditions de la peinture nord-italienne du XVIe siècle. (G. Savoldo, L. Lotto, A. Moretto, etc.). Dans le même temps, un certain nombre de fonctionnalités significativement nouvelles y apparaissent déjà. K. oppose le principe d'idéalisation de l'image à l'expressivité individuelle d'un modèle spécifique (« Petit Bacchus malade », Galerie Borghèse, Rome) et à l'interprétation allégorique de l'intrigue avec une étude impartiale de la nature dans un simple motif quotidien ( "Jeune homme à la corbeille de fruits", Galerie Borghèse, Rome). Polémique avec notions artistiques maniérisme et académisme, K. incarne le principe folklorique festif et ludique dans l'intrigue antique (« Bacchus », 1592-93, Galerie des Offices, Florence), vient rejeter le système dominant des genres et contribue à la création de nouveaux types de peinture - natures mortes ("Corbeille de fruits", vers 1596, Pinacothèque Ambrosiana, Milan) et genre de tous les jours(« La Diseuse de bonne aventure », Louvre, Paris). La peinture religieuse reçoit de lui une nouvelle interprétation psychologique intime (« Repos pendant la fuite en Égypte », Galerie Doria Pamphili, Rome). Vers la fin des années 1590. un système de peinture original de K apparaît. Le premier plan du tableau, brillamment éclairé par un faisceau de lumière, se détache sur le fond immergé dans une ombre dense, obtenant ainsi une clarté optique accentuée de l'image et créant l'impression de sa proximité immédiate avec le spectateur (« Lutiste », Hermitage, Leningrad). Les œuvres de la maturité de K. (1599-1606) sont des peintures de composition monumentale dotées d'une puissance dramatique exceptionnelle. De puissants contrastes d'ombre et de lumière, une simplicité expressive des gestes, un modelage plastique énergique et des couleurs sonores et riches reflètent la tension émotionnelle qui naît de la manifestation inattendue de l'idéal sublime dans la vie quotidienne des personnes ou dans les moments de confrontation spirituelle d'une personne avec un environnement hostile (« L'appel de l'apôtre Matthieu » et « Le tourment de l'apôtre Matthieu », 1599-1600, église de San Luigi dei Francesi, « Crucifixion de l'apôtre Pierre » et « Conversion de Saül », 1600-01 , Église de Santa Maria del Popolo, "Madonna di Loreto", vers 1603-06, église Sant'Agostino, - toutes à Rome "Mise au Tombeau", 1602-04 (voir illustration), Pinacothèque, Vatican "Mort de Marie" ; , vers 1605-06, Louvre, Paris). La similitude soulignée du type et le caractère décisif de l’affirmation des idéaux artistiques démocratiques dans les peintures de K. ont suscité une vive opposition de la part des partisans de l’art officiel. Un certain nombre d’œuvres de l’artiste ont été refusées par les clients. Dans les œuvres ultérieures de K., créées au cours des années d'errance dans le sud de l'Italie (1606-10), le développement ultérieur de tendances réalistes, l'élargissement du champ d'application phénomènes de la vie(« Sept actes de miséricorde », 1607, église de Pio Monte della Misericordia, Naples) s'accompagnent d'une tragédie croissante de la vision du monde. Outre des notes de détachement lugubre, l'esprit de stoïcisme sublime s'y manifeste (« L'exécution de Jean-Baptiste », 1609, cathédrale de San Giovanni, La Valette ; « L'enterrement de Sainte-Lucie », 1608, église de Santa Lucie, Syracuse). K. aborde le thème de la solitude des gens dans un monde immense ; il est attiré par l'image d'un collectif humain étroitement soudé, uni par une atmosphère de proximité familiale et chaleur. La lumière dans les peintures ultérieures de K. devient douce et vibrante, la palette de couleurs gravite vers l'unité tonale ("Adoration des bergers", 1609, Musée national, Messine). La manière de jouer prend les caractéristiques de l’improvisation libre. L'art innovant de K. a trouvé des adeptes en Italie et dans d'autres pays européens, influençant le développement de mouvements réalistes dans de nombreux pays européens. écoles d'art ah (Caravagisme).
Caravagisme :
1) un système de moyens artistiques caractéristique de la phase initiale du développement du réalisme dans la peinture européenne du XVIIe siècle. et a reçu l'incarnation la plus vivante dans l'œuvre du peintre italien Caravage. K. se caractérisent par la démocratie 
idéal artistique, intérêt pour la reproduction directe de la nature, sens aigu de l'objectivité réelle de l'image, rôle actif des contrastes d'ombre et de lumière dans la solution picturale du tableau, désir de monumentaliser les motifs de genre. Le recours aux techniques de sculpture fut une étape importante dans le développement créatif de nombreux grands maîtres du XVIIe siècle. (P.P. Rubene, Rembrandt), bien que dans certains cas ce ne soit pas le résultat de l'influence directe de l'art du Caravage et de ses disciples (F. Ribalta, D. Vslaskes, Georges de Latour).
2) L'orientation de la peinture européenne du XVIIe siècle, représentée par les adeptes du Caravage. En Italie, où les tendances picturales conservèrent leur importance jusqu'à la fin du XVIIe siècle, elles pénétrèrent dans tous les centres artistiques importants et eurent un impact particulièrement fort sur la peinture de Rome, de Gênes et de Naples. L’héritage du Caravage a reçu l’interprétation la plus originale et la plus indépendante dans les œuvres de O. Borgianni, O. Jeptileschi, C. Saraceni et G. B. Caracciolo. Le Caravage s'est exprimé auprès d'un certain nombre de maîtres en empruntant superficiellement des techniques formelles et des motifs d'intrigue à l'art du Caravage (œuvres de L. Spada, B. Manfredi et d'autres). Parmi représentants étrangers K. sont les plus significatifs : en Hollande - H. Terbruggen, G. Honthorst, D. van Baburen, en Flandre - T. Rombouts, A. Janssens, en France - J. Valentin, S. Vuz, en Espagne - H. Ribera , en Allemagne - A. Elsheimer. 
BILLET N°18
Art de France. Architecture.L'architecture du XVIIIe siècle en France est traditionnellement divisée en deux périodes, qui correspondent à deux styles architecturaux : dans la première moitié du XVIIIe siècle. La position dominante est occupée par le rococo, dans la seconde par le néoclassicisme. Ces styles sont complètement opposés les uns aux autres, c’est pourquoi la transition du rococo au néoclassicisme est souvent qualifiée de « rébellion ».
Le style rococo s'éloigne des règles strictes XVIIe classicisme V. ; ses maîtres étaient davantage attirés par les formes sensuelles et libres. L'architecture rococo, plus encore que le baroque, cherchait à rendre les contours des bâtiments plus dynamiques et leur décoration plus décorative, mais elle rejetait la solennité du baroque et son lien étroit avec l'Église catholique.
Le mot même de « néoclassicisme » au XVIIIe siècle. n'existait pas encore. Les critiques et les artistes ont utilisé d’autres définitions : « vrai style » ou « renaissance des arts ». L'intérêt pour l'Antiquité au XVIIIe siècle a acquis un caractère scientifique : les archéologues ont commencé des fouilles méthodiques de monuments antiques, les architectes ont commencé à prendre des mesures et des dessins précis des fragments et des ruines survivants. Pour les néoclassiques, l’architecture était un moyen de restructurer le monde. Des projets utopiques sont apparus, incarnant les idéaux des Lumières ; plus tard, elles reçurent le nom d'« architecture parlante ».
ARCHITECTURE ROCOCO
Le rococo est apparu dans les dernières années du règne du roi Louis XIV (1643-1715), mais contrairement à tous les styles d'architecture française qui l'ont précédé, il ne s'agissait pas d'un art de cour. La plupart des bâtiments rococo étaient les demeures privées de l'aristocratie française : de riches demeures de ville (appelées « hôtels » en France) et des palais de campagne.
En règle générale, une haute clôture séparait le manoir de la ville, cachant la vie des propriétaires de la maison. Les chambres d'hôtel avaient souvent des contours incurvés ; ils n'étaient pas disposés en enfilade, comme c'était l'usage dans les demeures du XVIIe siècle, mais formaient des compositions asymétriques très élégantes. Au centre se trouvait généralement une salle de cérémonie, appelée salon. Les pièces étaient beaucoup plus petites que les salles des palais classiques et avec des plafonds plus bas. Et les fenêtres de ces demeures étaient très grandes, presque à partir du sol. Les intérieurs des bâtiments rococo étaient décorés de décorations sculpturales et sculptées, de peintures sur des thèmes fantastiques et de nombreux miroirs.
L'hôtel Soubise à Paris a été construit pour le prince de Soubise en 1705-1709. conçu par Pierre Alexis Delamere (1675-1745). Comme d'autres demeures, elle est clôturée des rues adjacentes par un haut mur avec un luxueux portail d'entrée.
Billet n°19
Architecture et Art de l'Espagne du XVIIe siècle Les Arabes ont apporté une culture développée de l'ornement à l'art espagnol et ont laissé un certain nombre de magnifiques monuments architecturaux de style mauresque, notamment la mosquée de Cordoue (8e siècle) et le palais de l'Alhambra de Grenade (13e-15e siècles). Aux XIe-XIIe siècles. Le style architectural roman se développe en Espagne, dont un monument remarquable est la majestueuse cathédrale de la ville de Saint-Jacques-de-Compostelle. Au XIIIe - première moitié du XVe siècle. En Espagne, comme dans toute l'Europe occidentale, le style gothique s'est formé. Le gothique espagnol emprunte souvent des traits mauresques, comme en témoignent les majestueuses cathédrales de Séville, Burgos et Tolède (l'une des plus grandes d'Europe). Un phénomène artistique particulier est ce qu'on appelle. style<мудехар>, qui s'est développé à la suite de la fusion d'éléments gothiques dans l'architecture, et plus tard la Renaissance avec les Arabes maures a apporté une culture ornementale développée à l'art espagnol et a laissé un certain nombre de magnifiques monuments architecturaux de style mauresque, parmi lesquels une mosquée en Cordoue (VIIIe siècle) et le palais de l'Alhambra à Grenade (XIIIe siècle-XVe siècles). Aux XIe-XIIe siècles. Le style architectural roman se développe en Espagne, dont un monument remarquable est la majestueuse cathédrale de la ville de Saint-Jacques-de-Compostelle. Au XIIIe - première moitié du XVe siècle. En Espagne, comme dans toute l'Europe occidentale, le style gothique s'est formé. Le gothique espagnol emprunte souvent des traits mauresques, comme en témoignent les majestueuses cathédrales de Séville, Burgos et Tolède (l'une des plus grandes d'Europe). Un phénomène artistique particulier est ce qu'on appelle. style<мудехар>, qui s'est développé à la suite de la fusion d'éléments architecturaux gothiques et plus tard de la Renaissance avec l'héritage mauresque.
<платереск> <эрререско>
<Золотым веком> <эрререско> <чурригуреско>.
<гением модерна>
Au 16ème siècle sous l'influence de l'art italien, une école de maniérisme émerge en Espagne : ses représentants éminents sont le sculpteur Alonso Berruguete (1490-1561), les peintres Luis de Morales (c. 1508-1586) et le grand El Greco (1541-1561). 1614). Les fondateurs de l'art du portrait de cour furent les célèbres peintres Alonso Sánchez Coelho (vers 1531-1588) et son élève Juan Pantoja de la Cruz (1553-1608). Dans l'architecture laïque du XVIe siècle. style ornemental établi<платереск>, remplacé à la fin du siècle par un style froid<эрререско>, dont un exemple est le monastère-palais de l'Escurial près de Madrid, construit en 1563-1584 comme résidence des rois d'Espagne.
<Золотым веком>La peinture espagnole s'appelle le XVIIe siècle, lorsque travaillèrent les grands artistes Jusepe Ribera (1588-1652), Bartolomé Esteban Murillo (1618-1682), Francisco Zurbaran (1598-1664) et Diego de Silva Velazquez (1599-1660). Sobre en architecture<эрререско>dans la seconde moitié du XVIIe siècle. remplacé à outrance style décoratif <чурригуреско>.
Période 18-19 siècles. généralement caractérisé par le déclin de l'art espagnol, enfermé dans un classicisme imitatif, puis dans un costumbrisme superficiel. Dans ce contexte, l’œuvre de Francisco Goya (1746-1828) se démarque particulièrement clairement.
La renaissance de la grande tradition espagnole se produit dans la première moitié du XXe siècle. De nouvelles voies dans l'art mondial ont été tracées par l'architecte original Antonio Gaudi (1852-1926), appelé<гением модерна>, le fondateur et éminent représentant du surréalisme en peinture, Salvador Dali (1904-1989), l'un des fondateurs du cubisme, Juan Gris (1887-1921), l'artiste abstrait Joan Miro (1893-1983) et Pablo Picasso (1881-1973). ), qui a contribué au développement de plusieurs directions de l'art contemporain.
Au 17ème siècle les traditions artistiques de l'art néerlandais se sont poursuivies en Flandre et en Hollande. Sur cette base, des écoles de peinture flamande et hollandaise, apparentées mais distinctes, ont émergé. La raison de cette division était l'histoire dramatique des Pays-Bas dans la seconde moitié du XVIe siècle.
À cette époque, le protestantisme était répandu aux Pays-Bas - une croyance qui rejetait la vénération des icônes comme de l'idolâtrie et abandonnait l'art religieux. En 1566, une vague d’iconoclasme déferle sur le pays. En quelques jours, de nombreuses églises et monastères furent détruits, des statues de saints, des autels et des icônes furent détruits. Le roi Philippe II d'Espagne, qui dirigeait alors les Pays-Bas, envoya une grande armée dans le pays pour restaurer la position dominante de l'Église catholique. Les Espagnols ont brutalement réprimé les troubles, tuant des dizaines de milliers de Néerlandais. En réponse aux violences, un soulèvement armé a éclaté.
Dans le nord du pays, où les protestants constituaient la majorité de la population, un nouvel État fut proclamé en 1581 : la République des Provinces-Unies. Le rôle principal appartenait à la Hollande et, très vite, tout le pays commença à s'appeler ainsi.
Les Espagnols ont gagné dans le sud des Pays-Bas. En 1585, le dernier bastion des rebelles, la ville d'Anvers, capitule.
Philippe II remit en 1598 les Pays-Bas du Sud à sa fille bien-aimée, l'infante Isabelle (1566-1633). L'État nouvellement formé était appelé Pays-Bas catholiques dans les documents officiels, Belgique dans les ouvrages scientifiques et Flandre dans le langage courant, ainsi que la plus développée de ses provinces constituantes. Elle dépendait entièrement de l'Espagne.
Dans la lutte pour les idées religieuses, la culture a subi une défaite : de nombreux beaux monuments d'art ont été détruits par les protestants, mais même dans les provinces catholiques, ils ont dû oublier pendant longtemps la tradition artistique originale. L’Église catholique se méfiait de la fabuleuse diversité de l’art ancien des Pays-Bas. Des artistes qui ont essayé d'interpréter à leur manière histoires bibliques, risquait d'être accusé d'hérésie. L'art religieux a changé. Désormais, il était censé non seulement expliquer les Saintes Écritures aux paroissiens, mais aussi littéralement charmer, subordonner leur conscience à l'autorité de l'Église. Cela était servi par la musique d'orgue, l'architecture bizarre des temples et les peintures religieuses. Si au Moyen Âge le temple était considéré comme une école, alors au XVIIe siècle. c'était plutôt un théâtre.
Informations connexes.
La peinture du début de la Renaissance connaît la même évolution que la sculpture. Durant la Renaissance, de nombreux monuments architecturaux de renommée mondiale ont été construits. La première Renaissance (XIVe-XVe siècles) dans l'art italien est principalement associée à Florence, où les Médicis patronnaient les humanistes et tous les arts. Le rôle énorme que Brunelleschi a joué dans l'architecture de la première Renaissance et Donatello dans la sculpture appartenait à Masaccio (1401-1428) dans la peinture.
Au début du XVe siècle. L'école florentine est l'avant-garde de l'art humaniste de la Renaissance. D’où cet esprit d’ordre et de mesure si caractéristique de l’art de la Renaissance. Les intrigues païennes et chrétiennes s'entrelacent et se transforment, conférant un caractère spécifiquement complexe à la culture de la Renaissance.
Si à la Proto-Renaissance l'artiste travaillait par intuition, la Première Renaissance a mis en avant des connaissances scientifiques précises. Le premier théoricien dans le domaine de la peinture et de l'architecture fut Léon Battista Alberti (1404-1472). L'art de la Renaissance, dont le thème principal était le héros humain, se répandit progressivement dans toute l'Italie.
Cathédrale de Santa Maria del Fiore
Le nom Alberti est à juste titre considéré comme l'un des premiers parmi les grands créateurs culturels de la Renaissance italienne. Ses travaux théoriques, ses pratique artistique, ses idées et, enfin, sa personnalité même d'humaniste ont joué un rôle extrêmement important dans la formation et le développement de l'art de la première Renaissance.
Les traditions byzantines et l’influence gothique ont longtemps dominé l’art de Venise. L'influence de l'œuvre de Donatello sur le développement de l'art de la Renaissance italienne fut énorme. L'art austère et courageux de Masaccio a eu un impact énorme sur la culture artistique de la Renaissance, en particulier sur l'œuvre de Piero della Francesca et de Michel-Ange.
L'art de Botticelli, contrairement à la plupart des maîtres du début de la Renaissance, était basé sur une expérience personnelle. Histoire des styles dans l'art et le costume. Au XVe siècle Renaissance italienne entre dans la période du Quattrocento, où les principes de base du « nouveau style » deviennent dominants. Le début de la Renaissance est caractérisé par l'émergence et la montée de diverses écoles d'art territoriales, leur interaction et leur lutte actives.
Cathédrale Saint-Paul
L'esprit du début de la Renaissance se manifeste également par un intérêt pour l'Antiquité, pour ses idées et ses images, pour les sujets de la mythologie païenne, dont l'appel était interdit au Moyen Âge.
Après le sac de Rome par les troupes impériales en 1527, la Renaissance italienne entre dans une période de crise. Non moins réaliste est l'interprétation de la scène de « L'expulsion du paradis », où, pour la première fois dans la peinture de la Renaissance, sont représentés des personnages nus, puissamment modelés par la lumière latérale. Par la suite, les idées de la Renaissance se répandirent dans toute l’Europe.
Cette œuvre de Brunelleschi a eu une influence considérable sur le développement ultérieur de l'architecture, non seulement en Italie même, mais dans toute l'Europe. Un autre chef-d'œuvre reconnaissable de l'architecture de la Renaissance est cathédrale Florence. Il abrite également de nombreuses reliques et œuvres d'art, dont la célèbre Pietà de Michel-Ange.
Se pose nouveau critère des évaluations de la beauté, basées sur la similitude avec la nature et un sentiment de proportionnalité. Dans l'art Attention particulière se consacre à l'élaboration plastique des formes et du dessin. Au XVe siècle, les artistes italiens résolvèrent également le problème de la perspective rectiligne, qui avait mûri dans l'art du Trecento.
Sandro Botticelli
Cependant, l'influence de l'Antiquité se superpose aux traditions séculaires et fortes du Moyen Âge, à l'art chrétien. L'art a commencé à jouer le rôle de connaissance universelle du monde qui l'entoure. Au XVe siècle Un certain nombre de traités scientifiques sur l'art parurent.
Il a développé la théorie de la perspective linéaire, une représentation fidèle de la profondeur de l’espace dans une image. Les rêves des humanistes sur la « ville idéale » ont constitué la base de nouveaux principes d’urbanisme et d’architecture. Dans les bâtiments de cette période, un sentiment d’harmonie est mis en avant. Le fondateur de l'architecture de la Renaissance en Italie fut Filippo Brunelleschi (1377-1446), architecte, sculpteur et scientifique, l'un des créateurs de la théorie scientifique de la perspective.
Le dôme de la cathédrale Santa Maria del Fiore est devenu le prédécesseur de nombreuses églises à dôme en Italie et dans d'autres pays européens. Brunelleschi a été l'un des premiers architectes italiens à comprendre et à interpréter de manière créative l'ancien système d'ordre et a jeté les bases de la création d'un temple en forme de dôme basé sur l'ordre ancien. L'une des principales réalisations de l'architecture italienne du XVe siècle. Ce fut la création d'un nouveau type de palais urbains, qui servirent de modèle aux bâtiments publics des temps ultérieurs.
Leon Battista Alberti (1404-72) occupe une place particulière dans l'histoire de l'architecture italienne. Dans le nord de l’Italie, le développement de l’art de la Renaissance a suivi des voies différentes. Lombardo et Coduccio construisirent également des édifices religieux à Venise. Au XVe siècle sculpture italienne, qui a acquis un sens indépendant de l'architecture, est en plein essor. S'entraîner vie artistique les commandes des riches artisans et des milieux marchands pour la décoration des édifices publics commencent à affluer ; des concours d'art sont organisés.
Un des plus Des gens éduqués de son temps, premier historien de l'art italien, brillant dessinateur, Ghiberti a consacré sa vie à un seul type de sculpture : le relief. Ghiberti considérait que le principe principal de son art était l'équilibre et l'harmonie de tous les éléments de l'image. L'atelier de Ghiberti est devenu une école pour toute une génération d'artistes, notamment le célèbre Donatello, le grand réformateur de la sculpture italienne, qui y a travaillé.
Le Quattrocento (ou début de la Renaissance) est devenu une période d’exploration expérimentale. Le troisième volume de l'Histoire générale de l'art est entièrement consacré à l'art de la Renaissance. Une place particulière dans la peinture de la première Renaissance appartient à Sandro Botticelli (1445-1510), contemporain de Léonard de Vinci et du jeune Michel-Ange.
La fresque la plus significative de Masaccio est "Le Miracle du Statir", une composition à plusieurs figures qui, selon la tradition, comprend divers épisodes de la légende sur la façon dont, en entrant dans la ville, le Christ et ses disciples furent invités à payer une somme - un stair (pièce de monnaie) ; comment, sur ordre du Christ, Pierre attrapa un poisson dans le lac et trouva un statir dans sa bouche, qu'il remit au garde. Ces deux épisodes supplémentaires - la pêche et la présentation du statère - ne détournent pas l'attention de la scène centrale - un groupe d'apôtres entrant dans la ville. Leurs figures sont majestueuses, massives, leurs visages courageux portent les traits individualisés de personnes du peuple ; chez l'homme à l'extrême droite, certains chercheurs voient un portrait de Masaccio lui-même. L’importance de ce qui se passe est soulignée par l’état général d’excitation contenue. Le naturel des gestes et des mouvements, l’introduction d’un motif de genre dans la scène de la recherche de la pièce par Pierre et le paysage soigneusement peint confèrent au tableau un caractère profane et profondément véridique.
Non moins réaliste est l'interprétation de la scène de « L'expulsion du paradis », où, pour la première fois dans la peinture de la Renaissance, sont représentés des personnages nus, puissamment modelés par la lumière latérale. Leurs mouvements et expressions faciales expriment la confusion, la honte et le remords. La grande authenticité et le caractère convaincant des images de Masaccio confèrent une force particulière à l’idée humaniste de la dignité et de la signification de la personnalité humaine. Avec ses quêtes innovantes, l'artiste a ouvert la voie la poursuite du développement peinture réaliste.
Uccello. Paolo Uccello (1397-1475), le premier peintre de bataille italien, fut un expérimentateur dans l'étude et l'utilisation de la perspective. Uccello a varié ses compositions avec des épisodes de la bataille de San Romano à trois reprises (milieu des années 1450, Londres, National Gallery ; Florence, Galerie des Offices ; Paris, Louvre), représentant avec enthousiasme des chevaux et des cavaliers multicolores dans une grande variété de coupes et de planches en perspective.
Castano. Parmi les adeptes de Masaccio, se distingue Andrea del Castagno (environ 1421 - 1457), qui s'intéresse non seulement à la forme plastique et aux structures en perspective caractéristiques de la peinture florentine de cette époque, mais aussi au problème de la couleur. Les meilleures images créées par cet artiste brutal, courageux et de nature inégale se distinguent par une force héroïque et une énergie irrépressible. Ce sont les héros des peintures de la Villa Pandolfini (vers 1450, Florence, église de Santa Apollonia) - un exemple de solution à un thème profane. Sur les fonds verts et rouge foncé se détachent les figures de personnalités marquantes de la Renaissance, parmi lesquelles les condottieri de Florence : Farinata degli Uberti et Pippo Spano. Ce dernier se tient fermement sur le sol, les jambes écartées, vêtu d'une armure, la tête découverte, une épée dégainée dans les mains ; c'est une personne vivante, pleine d'énergie frénétique et confiante en ses capacités. Une puissante modélisation d'ombre et de lumière confère à l'image une force plastique, une expressivité, souligne la netteté des caractéristiques individuelles et un portrait lumineux jamais vu auparavant dans la peinture italienne.
Parmi les fresques de l'église, Santa Apollonia se distingue par l'ampleur de l'image et la netteté de ses caractéristiques " Dernière Cène"(1445-1450). Cette scène religieuse - le repas du Christ entouré de disciples - a été peinte par de nombreux artistes, qui ont toujours suivi un certain type de composition. Castagno ne s'est pas écarté de ce type de construction. D'un côté de la table située le long du mur, l'artiste a placé les apôtres. Parmi eux, au centre se trouve le Christ. De l’autre côté de la table se trouve la figure solitaire du traître Judas. Pourtant Castaño obtient un grand impact et un son innovant dans sa composition ; Ceci est facilité par le caractère brillant des images, la nationalité des types des apôtres et du Christ, l'expression dramatique profonde des sentiments et la palette de couleurs résolument riche et contrastée.
Angélique. La beauté exquise et la pureté des délicates harmonies de couleurs brillantes, qui acquièrent une qualité décorative particulière en combinaison avec l'or, captivent l'art de Fra Beato Angelico (1387-1455), plein de poésie et de fabuleux. D'esprit mystique, associé au monde naïf des idées religieuses, il est couvert de poésie conte populaire. Les images émouvantes du « Couronnement de Marie » (vers 1435, Paris, Louvre), les fresques du monastère Saint-Marc de Florence, créées par cet artiste unique - un moine dominicain, sont éclairées.
Domenico Veneziano. Les problèmes de couleur attirent également Domenico Veneziano (vers 1410 – 1461), originaire de Venise qui travaille principalement à Florence. Ses compositions religieuses (« Adoration des Mages », 1430-1440, Berlin-Dahlem, Galerie d'art), naïves et féeriques dans leur interprétation du thème, portent encore l'empreinte de la tradition gothique. Les traits de la Renaissance apparaissent plus clairement dans les portraits qu'il réalise. Au XVe siècle, le genre du portrait conquiert sens indépendant. La composition de profil, inspirée des médailles antiques et permettant de généraliser et de glorifier l'image de la personne représentée, s'est généralisée. Une ligne précise dessine un profil net en « Portrait d'une femme" (milieu du XVe siècle, Berlin-Dahlem, Galerie de photos). L'artiste réalise une similitude directe vivante et en même temps une subtile unité coloristique dans l'harmonie de couleurs claires et brillantes, transparentes, aériennes, adoucissant les contours. Le peintre fut le premier à initier les maîtres florentins à la technique peinture à l'huile. En introduisant des vernis et des huiles, Domenico Veneziano rehausse la pureté et la richesse des couleurs de ses toiles.
