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paysage
Traduit du français, le mot « paysage » signifie « nature ». C'est le nom donné à un genre des beaux-arts dont la tâche principale est de reproduire la nature naturelle ou artificielle. De plus, un paysage est une œuvre d’art spécifique en peinture ou en graphisme qui montre la nature au spectateur. Le « héros » d'une telle œuvre est un motif naturel ou naturel inventé par l'auteur. Des éléments de paysage se retrouvent déjà dans les peintures rupestres. À l'époque néolithique, les artisans primitifs représentaient schématiquement des rivières ou des lacs, des arbres et des rochers sur les parois des grottes.
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Peintures rupestres dans une grotte du plateau de Tassilin-Ajer au Sahara
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Fragments de peintures murales provenant du tombeau des anciens dirigeants égyptiens près du village de Beni Hassan, dans le centre de l'Égypte
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Fragments de peintures murales du palais de Knossos sur l'île de Crète
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Fragments de peintures murales de la maison des patriciens de l'ancienne ville romaine de Stabia, détruite comme Pompéi lors de l'éruption du Vésuve
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Le paysage est apparu pour la première fois comme genre indépendant en Chine (vers le VIIe siècle). Les artistes chinois ont atteint une spiritualité et une profondeur philosophique exceptionnelles dans leurs paysages. Sur de longs rouleaux de soie horizontaux ou verticaux, ils écrivaient non pas des vues de la nature, mais une image holistique de l'univers dans lequel l'homme est dissous.
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Le paysage dans l'art chinois
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Au Moyen Âge, en règle générale, seules des compositions religieuses existaient ; le paysage était interprété par les peintres comme une image de l'habitat des personnages.
Joachim Patinir Traversée aux enfers. 1515-1524. Musée du Prado Madrid
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Un intérêt prononcé pour le paysage est perceptible dans la peinture du début de la Renaissance. Et bien que les artistes soient encore très incapables de transmettre l’espace, l’encombrant d’éléments paysagers dont l’échelle ne correspond pas, de nombreuses peintures témoignent du désir des peintres d’obtenir une image harmonieuse et holistique de la nature et de l’homme.
Stefano Sassetta (di Giovanni) Rencontre des saints Antoine et Paul 1445, Art Gallery, Washington Stefano Sassetta (di Giovanni) Voyage des Mages, 1435 Metropolitan Museum of Art, New York
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Un pas en avant significatif dans le développement de la peinture de paysage a été réalisé par l'artiste suisse du XVe siècle Konrad Witz, qui a montré une zone spécifique dans sa composition sur un sujet religieux - la rive du lac Léman.
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Malgré ces progrès évidents, jusqu'au XVIe siècle, les artistes n'incluaient les détails du paysage dans leurs œuvres que comme arrière-plan d'une scène religieuse, d'une composition de genre ou d'un portrait. L'exemple le plus clair en est le célèbre portrait de Mona Lisa (vers 1503, Louvre, Paris), peint par Léonard de Vinci.
Léonard de VinciPortrait de Lady Lisa GiocondoMona Lisa, 1503-1519RitrattodiMonna Lisa del GiocondoPlanche (peuplier), huile. 76,8×53cmPersienne, Paris
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Dans l’art d’Europe occidentale, le genre du paysage a pris forme en Hollande au premier semestre. 17ème siècle L'un de ses fondateurs était I. Patinir, un maître des vues panoramiques avec de petites figures de personnages bibliques ou mythologiques. H. Averkamp, J. van Goyen, puis J. van Ruisdael et d'autres artistes ont contribué au développement du paysage. Les espèces marines - les marinas - occupaient une grande place dans le paysage néerlandais. Les Italiens, notamment les maîtres vénitiens, se sont tournés vers le paysage urbain documentaire - la veduta. Canaletto représenta Venise durant sa prospérité. De subtiles fantaisies poétiques sur des thèmes de la vie vénitienne ont été créées par F. Guardi. Dans l'art français du XVIIe siècle. le paysage s'est développé conformément au style classicisme. La nature, pleine de forces puissantes et héroïques, apparaît dans les tableaux de N. Poussin ; des paysages idéaux qui incarnaient le rêve d'un âge d'or, écrivait K. Lorrain.
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Le paysage dans l'art néerlandais
Joachim PatinierPaysage rocheux avec St. Jérôme. D'ACCORD. 1520. Musée Royal des Beaux-Arts Anvers Joachim Patinir Traversée aux Enfers. 1515-1524. Musée du Prado Madrid
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Hendrik Averkamp Scène sur la glace près de la tour. 1610 Jan van Goyen Paysage avec deux chênes. 1641. Rijksmuseum.Amsterdam
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Moulin JacobIsaakswanRusdael à Wijk bei Dyrsted. 1670. Musée Rijks. Amsterdam JacobIsaaksvanRusdaelPaysage marin. 2ème tiers du 17ème siècle. Musée Thyssen-Bornemisza Madrid.
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Le paysage dans l'art français
Paysage avec Diane et Orion Nicolas Poussin, 1660-64. New York, Metropolitan Museum of Art Claude Lorrain « Le départ de la reine de Saba » (1648)
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Le paysage dans l'art français
Paysage avec Apollon gardant les troupeaux d'Admète Claude Lorrain, 1645 Rome, galerie Doria-Pamphilj Paysage avec Pâris et Oenone Claude Lorrain, 1648 Paris, Louvre
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Au début, il a agi comme un réformateur de la peinture de paysage européenne. 19ème siècle Artiste anglais J. Constable. Il fut l’un des premiers à peindre des croquis en plein air, regardant la nature avec un « regard impartial ». Ses œuvres ont fait une impression indélébile sur les peintres français et ont servi d'impulsion au développement du paysage réaliste en France par C. Corot.
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Pont Jean Baptiste Camille Corot à Mantes, 1868/1870. Persienne
Constable John Vue de la cathédrale de Salisbury, 1823 Victoria and Albert Museum, Londres
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Le paysage dans la peinture européenne du XIXe siècle
Des tâches de peinture encore plus complexes ont été fixées par des artistes impressionnistes (C. Monet, O. Renoir, C. Pissarro, A. Sisley, etc.) Le jeu de la lumière du soleil sur le feuillage, les visages, les vêtements des personnages, le changement des impressions et de l'éclairage. en une journée, les vibrations de l’air et le brouillard humide s’incarnent dans leurs toiles. Les artistes créaient souvent une série de paysages avec un seul motif (La cathédrale de Rouen de Monet à différentes heures de la journée, 1893-1895). Dans les peintures « ensoleillées » des impressionnistes, les couleurs pures, non mélangées sur la palette, sonnaient joyeusement pour la première fois. Les paysages ont été peints entièrement en plein air, d'après nature.
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Pierre Auguste Renoir "Champ de Blé". 1879
Pelouses Alfred Sisley au printemps. 1880-1881. Galerie nationale. Londres.
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Oscar Claude Monet « Impression. Soleil Levant", 1872, Musée Marmottan-Monet, Paris
Jacob Abraham Camille Pissarro « Boulevard Montmartre. Après-midi ensoleillé." 1897
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Le paysage dans l'art russe, fin du XVIIIe siècle
Dans l'art russe, le paysage en tant que genre indépendant apparaît à la fin. 18ème siècle Ses fondateurs étaient des architectes, des décorateurs de théâtre et des maîtres des vues en perspective. À l'Académie des Arts de Saint-Pétersbourg, les peintres paysagistes étaient formés selon les principes du classicisme. Ils devaient créer des vues de leur nature natale sur la base des modèles de peintures célèbres du passé, et surtout des œuvres des Italiens des XVIIe et XVIIIe siècles. Les paysages ont été « composés » dans l'atelier, c'est pourquoi, par exemple, la Gatchina septentrionale et humide (près de Saint-Pétersbourg) ressemblait dans les toiles de Semyon Fedorovich Shchedrin à l'Italie ensoleillée (« Pont de pierre à Gatchina près de la place de la Connetable » , 1799-1800). Les paysages héroïques ont été créés par F. M. Matveev, faisant principalement référence à des vues de la nature italienne (« Vue de Rome. Colisée », 1816). F. Ya Alekseev a peint des vues architecturales de la capitale et des villes provinciales de Russie avec une grande cordialité et chaleur.
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MATVEEV Fedor Mikhailovich « Vue de Rome. Colisée", 1816
Shchedrin Semyon Fedorovich "Pont de pierre à Gatchina près de la place du Connétable" 1799 - 1801Galerie nationale Tretiakov
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L'ère du romantisme apporte de nouvelles tendances. Le paysage est considéré comme l’incarnation de l’âme de l’univers ; la nature, comme l'âme humaine, apparaît dans une dynamique, dans une éternelle variabilité. Sylvester Feodosievich Shchedrin, le neveu de Semyon Fedorovich Shchedrin, qui a travaillé en Italie, a été le premier à peindre des paysages non pas en studio, mais en plein air, obtenant ainsi plus de naturel et de véracité dans la transmission de l'environnement lumineux et aérien. La terre fertile de l'Italie, remplie de lumière et de chaleur, devient un rêve devenu réalité dans ses peintures. Ici, c'est comme si le soleil ne se couchait jamais et que l'été éternel régnait, et que les gens étaient libres, beaux et vivaient en harmonie avec la nature (« Le rivage de Sorrente avec vue sur l'île de Capri », 1826 ; « Terrasse au bord de la mer » , 1928). Des motifs romantiques avec les effets de la lumière lunaire, la poésie sombre des nuits sombres ou l'éclat des éclairs ont attiré M. N. Vorobyov (« Nuit d'automne à Saint-Pétersbourg. Jetée avec des sphinx égyptiens la nuit », 1835 ; « Un chêne brisé par la foudre », 1842).
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Vorobyov Maxim Nikiforovich « Nuit d'automne à Saint-Pétersbourg. Jetée avec des sphinx égyptiens la nuit", "Chêne écrasé par la foudre", 1842 1835
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Ivan Constantinovitch Aivazovski
La Neuvième Vague, 1850 Saint-Pétersbourg, Musée d'État russe Brick "Mercure", attaqué par deux navires turcs, 1892 Galerie nationale d'art. I.K. Aivazovsky, Feodosia
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Le paysage dans l'art russe du XIXe siècle
Il existe un deuxième genre en peinture. 19ème siècle le paysage occupait une place importante dans l’œuvre des Vagabonds. Les peintures de A. K. Savrassov (« Les tours sont arrivées », 1871 ; « Route de campagne », 1873) ont été une révélation pour le public russe, qui a découvert la beauté modeste de la nature russe et a réussi à révéler sincèrement sa vie la plus intime dans ses toiles. Savrasov est devenu le fondateur du « paysage d'ambiance » lyrique dans la peinture russe, dont la ligne a été poursuivie par F. A. Vasiliev (« Dégel », 1871 ; « Prairie humide », 1872) et I. I. Levitan (« Cloches du soir », 1892 ; « Automne doré", 1895). I. I. Shishkin, contrairement à Savrasov, a chanté la force héroïque, l'abondance et la puissance épique de la terre russe (« Rye », 1878 ; « Forest Distances », 1884). Ses peintures fascinent par l'infinité de l'espace, l'immensité du ciel élevé, la grande beauté des forêts et des champs russes. La particularité de son style pictural était le dessin soigné des détails combiné à la monumentalité de la composition.
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Alexeï Kondratievitch Savrassov
Les tours sont arrivées 1871, huile sur toile, 62x48 cm Galerie nationale Tretiakov, monastère Petchersky de Moscou près de Nijni Novgorod 1871, huile sur toile, 101x131 cm Musée d'art de Nijni Novgorod
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Fiodor Alexandrovitch Vassiliev
"Dégel", 1871 ; "Prairie humide", 1872
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Ivan Ivanovitch Chichkine
« Seigle », 1878 « Espaces forestiers », 1884
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Isaac Ilitch Lévitan
Printemps - Grande Eau 1896, huile sur toile, 64x57 cm Galerie nationale Tretiakov Automne doré 1895, huile sur toile, 82x126 cm Galerie nationale Tretiakov
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Le paysage dans l'art russe au tournant des XIXe et XXe siècles
Au tournant des XIXe et XXe siècles. K. A. Korovine (« Café parisien », années 1890) et I. E. Grabar (« Azur de février », 1904) ont peint des vues de la nature dans l'esprit de l'impressionnisme. P. V. Kuznetsov, K. S. Petrov-Vodkin, K. F. Bogaevsky, M. S. Saryan et d'autres ont créé des paysages qui emmènent le spectateur dans le monde des rêves de terres lointaines épargnées par la civilisation, de grandes époques révolues.
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Korovin Konstantin Alekseevich Café parisien. 1890 Igor Emmanuilovich Grabar Bleu de février. 1904.
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Kuznetsov Pavel Varfolomeevich "Route vers Alupka" 1926 Musée d'art de Saratov du nom de A.N. Radishchev, Saratov Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin Paris. 1924
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Les maîtres de l’art soviétique ont perpétué les grandes traditions de leurs prédécesseurs. Un nouveau genre de paysage industriel est apparu, reflétant clairement le pathétique affirmant la vie de l'époque de B. N. Yakovlev, G. G. Nissky,
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Yakovlev Boris Nikolaevich « Les transports s'améliorent », 1923. Georgy Grigorievich Nissky « Sur les voies. Mai", 1933
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Types de paysage
La diversité inépuisable de la nature a donné naissance à différents types de genres paysagers dans les beaux-arts : Rural Urbain Parc Marin Architectural Industriel
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Paysage rural
De nombreux artistes Vasiliev, Savrasov, Levitan, Korovin et d'autres ont eu recours au paysage rural. Dans le paysage rural, l'artiste est attiré par la poésie de la vie rurale, son lien naturel avec le monde environnant et la nature.
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Isaac Ilitch Lévitan Vladimirka. 1892 Ivan Ivanovitch Chichkine. Midi. Dans les environs de Moscou. 1869
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Paysage urbain
Le paysage urbain comprend des bâtiments, des rues, des avenues, des places et des remblais.
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Alekseev, Fiodor Yakovlevitch. Place Rouge à Moscou. 1801. 81,3 x 110,5 cm Huile sur toile. Académisme. Russie. Moscou. Galerie nationale Tretiakov Berkheide, GerritAdrians. Grand marché à Haarlem avec St. Bavona. 1696. 69,5 x 90,5 cm Huile sur bois. Baroque. Pays-Bas (Hollande). Haarlem. Musée Frans Hals
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Paysage du parc
Le paysage du parc représente des coins de nature créés pour les loisirs des gens, combinant harmonieusement les formes naturelles avec la sculpture décorative et l'architecture.
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Stanislav Yulianovich Joukovski Terrasse abandonnée, 1911
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Paysage marin
Une moraine ou un paysage marin raconte la beauté unique d'une mer calme ou agitée.
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Aivazovsky, Ivan Konstantinovitch. Vue d'Odessa depuis la mer. 1865. 45 x 58 cm Huile sur toile. Romantisme, réalisme. Russie. Erevan. Galerie d'art d'État d'Arménie Beggerov, Alexandre Karlovitch. Remblai de la Neva. 1876. 53,5 x 93 cm Huile sur toile. Le réalisme. Russie. Saint-Pétersbourg. Musée d'État russe
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Paysage architectural
Le paysage architectural est en contact étroit avec le paysage urbain ; l'artiste accorde une attention particulière à la représentation de monuments architecturaux en synthèse avec l'environnement.
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paysage architectural
Alto, Rudolf Ritter von. Vue de la Cathédrale St. Stéphane. 1832. 46 x 58 cm Toile. Le réalisme. L'Autriche. Veine. Galerie d'art autrichienne au Belvédère Alekseev, Fedor Yakovlevich. Place de la Cathédrale au Kremlin de Moscou. 81,7 x 112 cm Huile sur toile. Académisme. Russie. Moscou. Galerie nationale Tretiakov
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Paysage industriel
Dans ce paysage, l'artiste s'efforce de montrer le rôle et l'importance de l'homme - créateur, constructeur d'usines, de barrages et de centrales électriques.
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Port Franz Harry Rudolfovich des années 1960. carton, huile. Pyotr Timofeevich Fomin Construction (Khantaik) 1971. carton, huile
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Caractéristiques du genre sélectionné
Représentant la nature, l'artiste reflète les idées des gens de son époque sur la beauté de la réalité environnante. L'artiste interprète chaque paysage à sa manière, en lui conférant un certain sens, on peut donc dire qu'il existe plusieurs autres types de paysages.
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Paysage héroïque
William Turner. La traversée des Alpes par Hannibal. 1812 237,5 x 146 cm Toile. Huile. Tate Britain, Londres, Royaume-Uni On peut appeler cela un paysage dans lequel la nature apparaît majestueuse et inaccessible aux humains. Il représente de hautes montagnes rocheuses et des arbres puissants.
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Paysage d'humeur
FEDOR ALEXANDROVITCH VASILIEV « Dégel » (le tableau a reçu le premier prix au concours de la Société pour l'encouragement des artistes en 1871, a été acquis par P. M. Tretiakov pour sa célèbre galerie et sa copie a été commandée par l'empereur Alexandre III pour le Musée russe ) Le désir de trouver dans divers états de la nature la correspondance avec les expériences et les humeurs humaines a donné au paysage une coloration lyrique. Les sentiments de mélancolie, de tristesse, de désespoir ou de joie tranquille se reflètent dans le paysage émotionnel.
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Paysage historique
Apollinaire Vasnetsov. Place Rouge dans la seconde moitié du XVIIe siècle, 1925 Les événements historiques sont incarnés dans ce genre paysager, rappelés par les monuments architecturaux et sculpturaux représentés associés à cet événement. Il fait revivre des événements et des moments passés dans la mémoire.
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Paysage épique
Chichkine Ivan Ivanovitch. « Seigle » 1878 Huile sur toile 187 x 107 Galerie nationale Tretiakov Moscou Des peintures majestueuses de la nature, pleines de force intérieure, de signification particulière et de calme impartial sont caractéristiques d'un paysage épique.
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paysage romantique
Nicolas Konstantinovitch Roerich. Bataille céleste, 1912 Carton, détrempe. 66 x 95 cm. Musée d'État russe. Russie. Saint-Pétersbourg Les nuages d'orage, les nuages tourbillonnants, les couchers de soleil sombres, les vents violents sont les motifs d'un paysage romantique.
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Séquence de travaux sur le paysage
Il est impossible de créer un décor grandeur nature pour un paysage, contrairement à une nature morte. Le travail sur une composition de paysage est donc très différent du travail sur une composition de nature morte ; il peut être divisé en les étapes suivantes : - choisir un thème et trouver un moyen de l'exprimer ; - collecter du matériel (faire des croquis d'après nature) ; - réaliser un croquis à partir de croquis grandeur nature ; - exécution du paysage d'après les croquis réalisés et en accord avec le thème.
Tous les gens sont rassemblés au centre d'intérêt, sur le côté droit de l'image le Cheval est mal positionné. Il vaudrait mieux le placer près du banc.
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Le brouillard est un excellent moyen de créer de la profondeur en ajoutant des plans qui amélioreront la sensation de distance si le premier plan est un peu sombre.
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Votre tableau n’aura pas l’air surchargé si vous incluez une « zone de repos » dans la composition, de préférence devant le centre si des lignes horizontales, verticales et diagonales sont incluses dans le tableau. Ces lignes ne doivent pas être présentes sous leur forme pure, mais elles doivent être utilisées pour donner la direction du mouvement. Les diagonales sont préférées car elles ne sont pas parallèles au cadre photo et donnent de la profondeur.
Afficher toutes les diapositives« Leçons de paysage » - Êtes-vous d'accord avec l'affirmation ? Examen. Écrivez un essai sur le sujet : « Je peins un paysage ». Développement du paysage en peinture. Développemental : développement des capacités de développement indépendant et d’appréciation des valeurs artistiques. Résumer. «Excursion au musée.» Préparer l'exposition « Paysage d'Orient ». Devoir.
« Peindre des paysages » - Il y avait de la neige non seulement sur le sol, mais aussi flottant dans le ciel, recouvrant les arbres et les buissons. Les couleurs ont commencé à disparaître à certains endroits. Après le premier travail, ils ne sont pas partis ; ils voulaient toujours peindre un paysage. Mais les couleurs paradisiaques ne sont pas si belles. K. Korovine. Paysage forestier. Reflet dans un étang. Eh bien, alors nous nous sommes mis au travail.
« Paysage d'hiver » - Feu de cheminée, mirages à moitié endormis. Paix et tranquillité dans la forêt d'hiver. « Paysage d'hiver » /cours intégré pour les élèves de 6ème/. "Soirée d'hiver". Le soleil cramoisi aveugle le ciel azur de couleurs fraîches. "Eugène Onéguine". "Matin d'hiver". Paysage /Paysage français, de pays – terrain/ - une image de la nature dans une œuvre d'art.
«Paysage Pouchkine» - Les paroles de paysage ont toujours occupé une place particulière dans l'œuvre d'A.S. Vous êtes oublié... si gentiment. Dans la poésie de Pouchkine, l'été, l'automne, l'hiver et le printemps sont peints de couleurs vives. Je vois désormais naître des ruisseaux et les premiers mouvements d'effondrements menaçants. Gel et soleil ; merveilleuse journée! Gardiens du silence sacré ! Pour Pouchkine, la nature était une source d’inspiration.
"Paysages de Chichkine" - Fiodor Alekseev "Place de la Cathédrale au Kremlin de Moscou". Qu’est-ce qui est représenté dans le tableau de Chichkine « Matin dans une forêt de pins ? Paysage rural. Exercice. Rural Urbain Industriel. Dans le tableau « Ship Grove », les pins sont représentés de manière très naturelle et vivante. La réponse est correcte ! Dessinez les contours des montagnes et des collines avec un crayon.
« Paysage en musique » - Isaac Levitan. A. Maykov Piotr Ilitch Tchaïkovski. Les tours sont arrivés. 1871. Clément Janequin (1480-1560) « Le Chant des oiseaux », « La Chasse », « Le Rossignol ». Appel du soir, cloche du soir. Peinture. Galerie de peintures de l'artiste - Kiss the ground. 2.Saisons. Paysage en musique. Isaac Ilitch Lévitan. Franz Liszt. Le printemps est une période de hautes eaux. Fragment du ballet « Le Sacre du Printemps » - « Baiser du Sol ».
Règles de composition en paysage
Professeur d'art,
professeur de formation complémentaire
Vorlamova O.A.
Cette série de règles (je préfère le mot « astuces ») est compilée pour vous aider à apprendre à bien composer un paysage. Celui-ci contient les règles de base trouvées dans la plupart des livres, ainsi que quelques idées personnelles. Cependant, je tiens à vous prévenir : ne laissez pas les règles entraver votre travail et votre propre recherche. Ils ne devraient vous aider qu’au moment où vous avez des doutes et ne savez pas comment organiser au mieux tel ou tel élément dans l’image. Les règles, comme vous le savez, existent pour être enfreintes, cependant... lorsque vous savez exactement ce que vous enfreignez et pourquoi, ce sera mieux. Par conséquent, soyez patient – il y a un long chemin à parcourir.
I. Conseils de base.
1. Regardez l'image. Le paysage doit avoir un centre d'intérêt - une partie spéciale, belle et visible de l'image. Il peut être mis en valeur grâce à la couleur et au contraste. Cette partie doit paraître spéciale et significative. Les environs doivent être un peu moins visibles. Il faut rappeler que le centre d’intérêt :
Il doit se distinguer par une couleur forte (cela ne veut pas dire brillante) et, si possible, une grande variété de couleurs. Se démarquera avec un certain contraste de lumière. Il est préférable qu’il occupe la majeure partie de l’image et qu’il soit au premier plan (cependant, ce n’est pas nécessaire). Les bâtiments, les animaux et les personnes attireront l'attention. Ils se placent facilement au centre d’intérêt, en tant que personnages principaux. Les éléments environnants et l'arrière-plan doivent diriger l'œil du spectateur vers le centre d'intérêt.
Le centre d’intérêt ne doit pas être au centre de l’image. De plus, il ne doit pas occuper la moitié de la toile. La meilleure proportion est de 1/3. La zone que vous sélectionnez comme centre d’intérêt ne doit pas être isolée du reste de l’image. Un centre bien construit doit attirer et retenir le regard du spectateur.
La rive amène le regard vers le pont, qui devient le centre d'intérêt.
2. Vous souhaiterez peut-être inclure un deuxième centre d’intérêt dans le tableau. C'est impardonnable pour un débutant et un non-professionnel. Il existe un risque de concurrence et, par conséquent, d'échec de la composition.
Il n’y a pas besoin de fleurs au premier plan dans ce tableau, mais l’artiste a ajouté avec succès un deuxième centre d’intérêt.
3. Ne poussez pas le spectateur hors de l’image ! Ceci peut être évité en gardant les éléments éloignés des bords et en dehors de l'image, en particulier les arbres, les routes et les rivières. Vous pouvez ajouter des « arrêts » pour éviter de dépasser les limites. Cette règle est très pratique ; les animaux et les personnes doivent rester dans la composition.
Remarquez le cheval à l'extrême droite. L'artiste a utilisé la couleur pour s'arrêter. Si vous plissez les yeux, vous remarquerez que le cheval se fond dans les arbres, mais s'il faisait clair, votre regard irait jusqu'au bord de l'image.
Ce flux n’est pas une très bonne forme de mouvement.
Le chemin du regard est une courbe douce. Vous pouvez y nager...
Rivières, ruisseaux, routes, etc. apporter du mouvement dans l’image. Les lignes droites doivent être évitées - l'œil y glisse trop rapidement. Laissez le spectateur se promener tranquillement dans votre paysage.
La pente des arbres montre que le vent souffle de droite à gauche, mais que la pluie tombe dans la direction opposée.
La logique ne s'applique pas à l'art. Tout est question d'impact visuel. La lumière du soleil peut apparaître sur l’herbe même s’il pleut. Les perspectives linéaires et atmosphériques peuvent être déformées si la situation l'exige. Les ombres peuvent être plus grandes qu'elles ne devraient l'être... De manière générale, n'hésitez pas, vous êtes un artiste :-)
Le cheval est mal positionné. Il vaudrait mieux le placer près du banc.
Tous les gens sont rassemblés au centre d’intérêt, à droite de l’image.
6. Rassemblez les objets importants dans le centre d’intérêt. Ne les dispersez pas dans la composition, sinon ils détourneront l’attention les uns des autres.
Qu'y a-t-il au détour ? Peut-être un lac ? Ou une ville ? L'artiste l'a laissé à notre imagination.
Laissez le spectateur participer à l’image. Laissez place à la réflexion et à l’imagination. Laissez place à un peu de mystère.
- 8. Profondeur. Les artistes se limitent à créer l’illusion d’une image tridimensionnelle sur un plan bidimensionnel.
Voici quelques conseils pour créer l'illusion de profondeur : Disposez les objets de manière à ce qu'ils se chevauchent. Les couleurs situées plus loin dans l’arrière-plan ont tendance à être plus froides et à s’estomper. Plus les objets sont proches, plus les couleurs paraissent chaudes et saturées. En fait, ce n'est pas si simple. Quand on regarde un arbre à 100 mètres, la couleur est encore chaude. Le changement de couleur sera très léger par rapport à l’arbre à côté de vous. Cependant, même si vous ajoutez un peu de violet ou de bleu à la couleur du feuillage, vous repousserez ces arbres au second plan.
Vous pouvez ajouter plus de plans, ce qui améliorera la sensation de distance si le premier plan est un peu sombre.
Le brouillard est un excellent moyen de créer de la profondeur.
Mauvais contraste. L’arbre de gauche rivalise pour attirer l’attention.
Mieux : le contraste a été réduit et la mise au point est désormais plus facile.
Maintenez le contraste du centre d'intérêt afin que les zones qui l'entourent ne rivalisent pas pour attirer l'attention. Les tons les plus clairs et les plus sombres se trouvent près du centre d'intérêt, autour des valeurs moyennes de couleur et de lumière.
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Légendes des diapositives :
Paysage. Ses types et caractères
Le paysage (dérivé du français paysage - campagne, région) est un genre des beaux-arts dans lequel le sujet principal de l'image est la nature.
Types de paysage : Selon le caractère principal de la nature au sein du genre paysager, on distingue les types de paysage suivants : Paysages architecturaux et industriels. Paysage rural et urbain. Paysages marins et fluviaux.
Paysage rural - reflète la poésie de la vie rurale, son lien naturel avec la nature environnante.
Paysage urbain - représente l'environnement spatial organisé par l'homme - bâtiments, rues, avenues, places, talus, parcs.
Le paysage architectural est proche du paysage urbain, mais ici l'artiste accorde plus d'attention à la représentation de monuments architecturaux en synthèse avec l'environnement.
Paysage industriel - montre le rôle et l'importance de l'homme - créateur, constructeur d'usines, d'usines, de centrales électriques, de gares et de ponts.
Paysage marin - Marina (du latin marinus - mer) est l'un des types de paysage dont l'objet est la mer. Marina parle de la beauté de la mer, tantôt calme, tantôt agitée.
Diversité de caractère du paysage. Il existe cinq types de caractères paysagers : - héroïque - historique - épique - paysage romantique - paysage d'ambiance
Un paysage héroïque est un paysage dans lequel la nature apparaît majestueuse et inaccessible à l'homme. Il représente de hautes montagnes rocheuses, des arbres puissants, des eaux calmes et, sur ce fond, des héros et des dieux mythiques.
Paysage historique. Les événements historiques sont incarnés dans le genre paysager, qui rappelle les monuments architecturaux et sculpturaux représentés associés à ces événements.
Un paysage épique est une image majestueuse de la nature, pleine de force intérieure, de signification particulière et de calme impartial.
Paysage romantique - Nuages d'orage, nuages tourbillonnants, couchers de soleil sombres, vent sauvage. Le paysage capture parfois un début rebelle, un désaccord avec l'ordre des choses existant, le désir de s'élever au-dessus de l'ordinaire, de le changer.
Paysage d'humeur Il reflète des sentiments de mélancolie, de tristesse ou de joie tranquille. Le désir de trouver dans divers états de la nature une correspondance avec les expériences et les humeurs humaines a donné au paysage une coloration lyrique.
Travaux pratiques : Dessiner un des types ou personnages du paysage.
Il existe une règle traditionnelle en matière de paysage : le ciel et le paysage doivent être inégaux en termes de masse compositionnelle. Si un artiste se fixe pour objectif de montrer l'espace, l'espace sans limites, il donne la majeure partie de l'image au ciel et y accorde la plus grande attention.
Si la tâche principale de l'artiste est de transmettre les détails du paysage, la frontière du paysage et du ciel sur l'image est généralement située nettement au-dessus du centre optique de la composition.
Si la frontière est placée au milieu, alors l'image se divise en deux parties, revendiquant également la domination - le principe de subordination du secondaire au principal est violé. Cette remarque générale est bien illustrée par les travaux de P. Bruegel.
La composition du paysage est complexe et en même temps très naturelle. À première vue, elle est quelque peu réduite en détail, mais après une analyse minutieuse, elle est étroitement adaptée.
Le paradoxe de Pieter Bruegel s'est manifesté par le déplacement du centre sémantique du tableau (Icare) vers la périphérie, et du personnage secondaire (le laboureur) vers le centre de composition.
Le rythme des tons sombres semble aléatoire : le bosquet à gauche, la tête du laboureur, les arbres au bord de l'eau, la coque du navire. Cependant, c’est précisément ce rythme qui ne permet pas à l’œil du spectateur de quitter l’image le long de la bande diagonale sombre le long du bord sombre de la partie haute de la côte.
Un autre rythme est construit par les tons chauds des zones claires de la toile, ainsi que par une division claire de l'espace paysager en trois plans : rivage, mer, ciel.
Avec de nombreux détails, la composition est soutenue par une technique classique : un accent de couleur créé par la chemise rouge du laboureur. Sans entrer dans une description détaillée des détails du tableau, on ne peut s'empêcher d'admirer la brillante simplicité d'expression du sens profond de l'œuvre : le monde n'a pas remarqué la chute d'Icare.
En termes de couleur, c'est l'un des tableaux les plus magnifiques de toute l'histoire de la peinture, mais la perfection picturale n'aurait pas été atteinte sans une composition magnifiquement construite qui répond à tous les canons classiques.
Équilibre absolu avec asymétrie, majesté épique avec rythme dynamique, rapport précis des masses de couleurs, chaleur et froideur magiques de l'air et de la mer - c'est l'œuvre d'un grand maître.
L'analyse montre que le rythme de la composition se construit à la fois verticalement, horizontalement et en diagonale. Le rythme vertical est formé par les tours, les colonnes et la division des murs du palais en correspondance avec les mâts des bateaux.
Le rythme horizontal est déterminé par la disposition des bateaux le long de deux lignes horizontales imaginaires, le pied du palais, et les lignes des toits où ils se connectent aux murs. Très intéressant est le rythme diagonal des sommets des tours, du dôme, des statues au-dessus du portique, de la perspective du mur de droite, des bateaux sur le côté droit de l'image.
Pour équilibrer la composition, un rythme diagonal alternatif est introduit du bateau de gauche au dôme central du palais, ainsi que de la gondole voisine jusqu'aux sommets des mâts de droite. La couleur chaude des murs du palais et l'or des rayons du soleil sur les façades face au spectateur mettent en valeur harmonieusement et puissamment le bâtiment sur fond de couleur globale riche de la mer et du ciel.
Il n'y a pas de frontière entre la mer et le ciel, ce qui donne de la légèreté à l'ensemble du paysage. Le reflet du palais dans les eaux calmes de la baie est généralisé et totalement dépourvu de détails, ce qui permet de ne pas perdre les figures des rameurs et des marins.
Nyssky a créé ses œuvres comme de pures compositions, il ne les a pas écrites directement d'après nature, il n'a pas fait beaucoup d'esquisses préliminaires. Il mémorisait les paysages, absorbait les traits et les détails les plus caractéristiques dans sa conscience et effectuait des sélections mentales avant même de commencer à travailler sur le chevalet.
La localité des masses colorées, la séparation nette des longues ombres froides et la blancheur rosée de la neige, les silhouettes strictement calibrées des sapins sur un train de marchandises se précipitant dans un virage, comme une autoroute en béton tracée le long d'une règle - tout cela crée un sentiment de modernité, derrière celui-ci on voit l'ère industrielle, même si le lyrisme du paysage hivernal avec sa neige pure, son silence matinal et son ciel haut ne permet pas de classer le tableau comme une œuvre sur un thème de production.
Il convient de noter en particulier les relations entre les couleurs en arrière-plan. En règle générale, les distances sont écrites dans un ton plus froid que le premier plan, tandis qu'à Nyssa, la forêt lointaine est peinte de couleurs chaudes.
Il semblerait difficile de déplacer un objet dans les profondeurs de l'image avec une telle couleur, mais si vous faites attention à la couleur rose-orange du ciel, alors l'artiste a dû enfreindre la règle générale de construction de l'espace pour que la forêt ne se détachait pas nettement du ciel, mais y était fusionné sur le plan tonal.
Le maître a placé en arrière-plan la silhouette d'un skieur vêtu d'un pull rouge. Ce point lumineux, dans une zone très réduite, maintient activement la composition et lui donne de la profondeur spatiale. La division des masses horizontales convergeant vers le côté gauche du tableau et la juxtaposition avec les verticales des sapins confèrent à l'œuvre un drame compositionnel.
