Diego Velázquez (?), copia del original de Rubens, "Retrato ecuestre de Felipe IV"
retrato ceremonial, retrato representativo- un subtipo de retrato característico de la cultura cortesana. Recibió un desarrollo especial durante el período de absolutismo desarrollado. Su tarea principal no es sólo transmitir similitud visual, sino también exaltar al cliente, comparar a la persona representada con una deidad (en el caso del retrato de un monarca) o un monarca (en el caso del retrato de un aristócrata).
Característica
Por regla general, se trata de mostrar a una persona en pleno crecimiento (montada a caballo, de pie o sentada). En un retrato formal, la figura suele mostrarse sobre un fondo arquitectónico o paisajístico; una mayor elaboración lo acerca a una imagen narrativa, lo que implica no solo dimensiones impresionantes, sino también una estructura figurativa individual.
El artista representa el modelo, centrando la atención del espectador en el papel social de la persona representada. Dado que el papel principal del retrato ceremonial era ideológico, esto provocó una cierta caracterización unidimensional: una teatralidad enfatizada de la pose y un entorno bastante exuberante (columnas, cortinas, en el retrato del monarca - insignias, símbolos de poder), lo que relegó a un segundo plano las propiedades espirituales del modelo. Sin embargo, en las mejores obras del género, el modelo aparece en una versión claramente definida, que resulta muy expresiva.
El retrato ceremonial se caracteriza por una franca demostratividad y el deseo de "historizar" a la persona representada. Esto influye en la combinación de colores, que es invariablemente elegante, decorativa y corresponde a las características coloristas del interior (aunque cambia según el estilo de la época, volviéndose local y brillante en el barroco, suavizada y llena de medios tonos en el rococó, sobria en el clasicismo). ).
Subtipos
Dependiendo de los atributos, un retrato ceremonial puede ser:
- Coronación (trono menos común)
- Ecuestre
- A imagen de un comandante (militar)
- El retrato de caza se encuentra al lado del frontal, pero también puede ser íntimo.
- Semi-ceremonial: tiene el mismo concepto que un retrato ceremonial, pero generalmente tiene un corte hasta la cintura o hasta la rodilla y accesorios bastante desarrollados.
Retrato de coronación
Retrato de coronación: una imagen solemne del monarca "en el día de su coronación", acceso al trono, con las insignias de coronación (corona, manto, con un cetro y un orbe), generalmente en toda su altura (a veces se encuentra un retrato en trono sentado ).
“El retrato imperial fue concebido durante siglos como una huella de la idea estatal más importante del momento. Las formas inmutables jugaron un papel importante al demostrar el valor duradero del presente, la estabilidad del poder estatal, etc. En este sentido, el llamado “Retrato de coronación”, que presupone la imagen de un gobernante con atributos de poder y reivindica la misma constancia sagrada que la propia ceremonia de coronación. De hecho, desde la época de Pedro el Grande, cuando Catalina I fue coronada por primera vez según las nuevas reglas, hasta la época de Catalina II, este tipo de retrato sólo sufrió ligeras variaciones. Las emperatrices, Anna Ioannovna, Elizaveta Petrovna, Catalina II, se elevan majestuosamente sobre el mundo, asemejándose en su silueta a una pirámide inquebrantable. La quietud real se enfatiza por el pesado manto y manto de coronación, cuyo peso icónico equivale a la corona, el cetro y el orbe que invariablemente acompañaban a la imagen del autócrata”.
La misma frase "retrato ceremonial" evoca la idea de algo inusualmente solemne. Inmediatamente aparecen hombres con ojos de águila, con ricos trajes, adornados con insignias, coronados con coronas de laurel o coronas reales. O hermosas damas con vestidos lujosos, diamantes, abanicos de plumas de avestruz y perros diminutos y fabulosamente caros.
En realidad, “ceremonial” significa solemne; antes era un paso solemne de tropas, y con la llegada del retrato, significaba permanecer solemne en el lugar.
El retrato ceremonial surgió en la era del absolutismo, cuando los monarcas, buscando exaltarse y perpetuarse, encargaban sus majestuosas imágenes a los artistas de la corte. El objetivo principal del retrato ceremonial era glorificar a las personas de alto rango, a la realeza y a su séquito. La atención se centró en los méritos y logros del cliente, el artista buscó la exaltación, a veces cercana a la deificación. Los primeros retratos ceremoniales se distinguían por cierta rigidez y "congelación",
pero más tarde, cuando los retratos ceremoniales comenzaron a ser ordenados no solo por monarcas y cortesanos, sino también por personas simplemente ricas, el retrato ceremonial se volvió mucho más animado.
Las pinturas eran en su mayoría de gran tamaño y la persona estaba representada en pleno crecimiento, de pie o sentada. El fondo de un retrato ceremonial era un interior exuberante o un campo de batalla, si se trataba del retrato de un militar. En cualquier caso, el ambiente debe ser solemne, enfatizando la importancia del personaje. Con el mismo propósito, los héroes de las pinturas están vestidos con exuberantes trajes ceremoniales, siempre decorados con insignias e insignias que simbolizan poder y poder.
Inicialmente, la tarea de un retrato ceremonial no era, básicamente, reflejar la individualidad del cliente, sino afirmar su estatus social. Sin embargo, artistas destacados incluso en este género limitado lograron representar la individualidad de una persona, su carácter y su forma de vida.
Un ejemplo sorprendente de retrato ceremonial en el que el artista logró traspasar los límites del género es el retrato del empresario y filántropo P.A.
El retrato es increíblemente encantador gracias a la combinación contrastante de Demidov, vestido con una túnica y una gorra, de pie con una regadera en la mano, pero en una pose ceremonial y con el telón de fondo de un espectacular interior hecho de bronce y pesadas cortinas. El anciano sonríe irónicamente, como si se diera cuenta de la curiosidad de tal interpretación del retrato ceremonial. Sin embargo, esta extraña combinación contiene una sutil insinuación que era clara para los contemporáneos de Demidov. Flores en macetas, bulbos de plantas y un libro de jardinería no son objetos aleatorios. En este escenario hay una alegoría de las actividades caritativas del industrial Prokopiy Demidov. Al fondo de la imagen se ve el edificio del Orfanato de Moscú, en cuya organización participó. Los niños que han encontrado refugio allí son las “flores de la vida”, y Demidov, que los cuida, es jardinero. Esta interpretación del personaje no lo menospreció, sino que, por el contrario, lo elevó. Ante nosotros aparece un hombre obstinado y excéntrico, pero al mismo tiempo generoso e inteligente.
Como puede ver, un retrato ceremonial puede ser muy diverso, y si decide encargar un retrato ceremonial, pero no tiene idea de qué estilo de siglo debe elegir y, en general, cómo debe verse, entonces el artista seleccionará una amplia variedad de opciones para ti. Cualquier retrato histórico puede usarse como base para un retrato ceremonial, y los detalles del interior, el vestuario, las joyas y las insignias se pueden seleccionar de acuerdo con sus preferencias. Usted tiene el poder de encontrarse en cualquier época, rodéese de una combinación de colores elegante y decorativa, ya sea que busque el lujo de la época barroca, la atmósfera suave e íntima del rococó lleno de medios tonos o el estilo sobrio del clasicismo. cualquier elección será tu entorno. Puede elegir un retrato a caballo, sobre un fondo arquitectónico o paisajístico, con un traje lujoso o como Dmitry Levitsky pudo retratar a su cliente, con un toque sutil y sofisticado de su actividad. Contáctanos y tu retrato podrá convertirse en una decoración no solo para tu hogar, sino también para nuestra galería.
institución educativa municipal
Educación adicional para niños.
"Escuela de arte para niños"
IMÁGENES FEMENINAS EN RETRATOS DEL SIGLO XVIII
(F.S. Rokotov, D.G. Levitsky, V.L. Borovikovsky)
Completado por: estudiante de la clase 4-A.
Institución educativa municipal de la escuela de arte infantil de Zelenogorsk
Grigorieva Anastasia Vladlenovna
Supervisor científico: profesor
Historia del arte MOU DOD DHS
Solomatina Tatyana Leonidovna
zelenogorsk
El lugar de la mujer en la sociedad rusa del siglo XVIII y el arte del retrato ………………………………………………………………………………… 3
La imagen de una mujer rusa en el retrato artístico del siglo XVIII…………4
2.1. Retrato femenino ceremonial de la primera mitad del siglo XVIII:
2.1. Características del retrato ceremonial;
2.2. Y YO. Vishnyakov
2.3. D.G. Levitski
Retrato de cámara de una mujer de la segunda mitad del siglo XVIII:
Características de un retrato de cámara.
2.2.2. VL Borovikovski
2.2.3. F.S. Rokotová
Un retrato femenino del siglo XVIII es uno de los mayores logros del retrato ruso…………………………………………………………16
Lista de referencias……………………………………………………17
Lista de ilustraciones…………………………………………………………18
Aplicaciones……………………………………………………………………………….19
El lugar de la mujer en la sociedad rusa del siglo XVIII.
Y el arte del retrato.
Desde principios del siglo XVIII, a partir de una representación bastante primitiva del rostro humano, los artistas han llevado sus habilidades a una perfección extraordinaria. Aprendiendo de pintores extranjeros, los maestros nacionales no sólo adoptaron sus conocimientos, sino que también los superaron y añadieron a su arte un sabor profundamente ruso (http://www.referat77.ru/docs/1415/1866/2.html).
Los retratos de principios de siglo representan principalmente la afiliación social de una persona, sus mejores lados, su pompa y, a veces, su belleza imaginaria. Pero a lo largo del siglo, el estado, el estado de ánimo del público y la actitud del artista hacia la persona representada cambiaron enormemente. Los maestros ya no se propusieron la tarea de hacer que el retrato se pareciera al modelo. No les interesaba tanto la solemnidad de la presentación como el mundo interior de una persona, su esencia, su predisposición a la espiritualidad. A finales del siglo XVIII, los pintores transmitían el alma de sus modelos, los estados de ánimo más sutiles y la variabilidad de los personajes.
El propósito de mi trabajo es probar esta tendencia, es decir. una transición gradual de las características externas de una persona a la transferencia de su estado interno.
Para solucionar este problema, centré mi atención en los retratos de los siguientes artistas rusos destacados:
Y YO. Vishniakova;
F.S. Rokotova;
D.G. Levitski;
VL Borovikovsky.
Para caracterizar los retratos de estos artistas, utilicé una gama bastante amplia de fuentes, cuya lista se encuentra al final del trabajo. Entre los libros que utilicé, hay obras sobre el arte del período seleccionado (1,4,5,6,7, 8, 11, 12,14,16,17), así como monografías dedicadas a la obra de artistas individuales (2,3, 9,13,15).
La imagen de una mujer rusa en el retrato artístico del siglo XVIII.
Retrato femenino ceremonial de la primera mitad del siglo XVIII.
El papel principal en la pintura de la primera mitad del siglo XVIII correspondió al retrato. El retrato se desarrolló en dos géneros: formal y de cámara.
Características de un retrato ceremonial.
El retrato ceremonial es en muchos sentidos un producto del estilo barroco con su pesada pompa y su sombría grandeza. Su tarea es mostrar no sólo a una persona, sino a una persona importante en todo el esplendor de su posición altamente social. De ahí la abundancia de accesorios diseñados para enfatizar esta posición, la pompa teatral de la pose. El modelo se representa con el telón de fondo de un paisaje o un interior, pero siempre en primer plano, a menudo en toda su altura, como si suprimiera el espacio circundante con su grandeza. (12)
Fue con los retratos ceremoniales que se hizo famoso uno de los principales retratistas de esta época, I.Ya. Vishnyakov.
El impecable "ojo" y el gusto impecable del artista colocaron a Vishnyakov entre los mejores retratistas de la época. No es de extrañar que se le permitiera no sólo copiar, sino también pintar retratos de personajes gobernantes y luego “replicarlos” para numerosos palacios, instituciones gubernamentales y dignatarios privados (http://www.nearyou.ru/vishnyakov/0vishn). HTML)
Al artista le gustó el lujo decorativo de los trajes ceremoniales de su época, su teatralidad y festividad. Con admiración, transmite la materialidad y objetividad del mundo, diseñando con cuidado y amor los sorprendentes trajes del siglo XVIII, con sus tejidos con patrones complejos, diversos colores y texturas, con los más finos bordados, encajes y adornos. Como maestro decorador, Vishnyakov crea una gama de colores excepcional. Y aunque el patrón parece estar superpuesto a los rígidos pliegues de la ropa, es tangible y se asemeja, en palabras del crítico de arte T.V. Ilyina, (6) a la fuente “el campo de las lujosas miniaturas rusas antiguas del siglo XVII. " o el adorno floral de un fresco de esa época”. Y por encima de toda esta riqueza del mundo material, los rostros de las personas miran y respiran.
En 1743, Vishnyakov pintó un retrato de la emperatriz Isabel, representativo y magnífico. Isabel: con una corona, un cetro y un aullido, con un lujoso vestido de muaré brillante. Es curioso que le haya gustado tanto este retrato que Vishnyakov recibió instrucciones de comprobar el estilo de otros retratos de Isabel, sin importar quién los pintara; se convirtió, por así decirlo, en el árbitro supremo en materia de iconografía imperial. Mientras tanto, él mismo, a pesar del esplendor de la situación en contraste con ella, retrató a Isabel como una mujer corriente: una belleza rusa de sangre y leche, de cejas negras y mejillas sonrosadas, más amigable y accesible que majestuosa o regia. Habiéndose apropiado de los atributos del poder, Elizabeth nunca se acostumbró a ello. Algo hogareño, cálido, sonrientemente rústico, por supuesto, no sin astucia ni sin inteligencia, siempre permaneció en su apariencia, y Vishnyakov definitivamente lo sintió.
Los retratos de niños de Vishnyakov fueron los mejores.
Uno de los más interesantes es el retrato de Sarah Fermor. (ill.3) Esta es una imagen ceremonial típica de esa época. La niña se presenta de cuerpo entero, en la unión del espacio abierto y el fondo del paisaje con la columna obligatoria y la pesada cortina. Lleva un vestido elegante y sostiene un abanico. Su pose es forzada, pero en esta solemnidad helada hay mucha poesía, un sentimiento de vida reverente, rodeada de un gran arte y una gran calidez espiritual. El retrato combina, como es típico en Vishnyakov, rasgos aparentemente muy contrastantes: en él se puede sentir la tradición medieval rusa aún viva y el brillo del arte ceremonial europeo del siglo XVIII. La figura y la pose son convencionales, el fondo está tratado de forma plana (es un paisaje abiertamente decorativo), pero el rostro está esculpido en tres dimensiones. La exquisita escritura del vestido gris, verde y azul sorprende con la riqueza de la pintura de múltiples capas y tiene una tradición de aplanamiento. Se transmite de forma ilusoria y material, incluso adivinamos el tipo de tela, pero las flores están esparcidas en muaré sin tener en cuenta los pliegues, y este “patrón” se encuentra en el plano, como en una antigua miniatura rusa. Y por encima de todo el esquema del retrato ceremonial - y esto es lo más sorprendente - el rostro serio y triste de una niña pequeña con una mirada pensativa vive una vida tensa.
La combinación de colores (pintura en tonos plateados, rechazo de las manchas locales brillantes (que en general era característica del pincel de este maestro)) se debe a la naturaleza del modelo, frágil y aireado, similar a una especie de flor exótica (http://. www.bestreferat.ru /referat-101159.html) Como de un tallo, su cabeza crece sobre un cuello delgado, sus brazos cuelgan impotentes, sobre cuya longitud excesiva más de un investigador ha escrito. Esto es bastante justo si consideramos el retrato desde el punto de vista de la corrección académica del dibujo: observamos que las manos en general eran más difíciles para los maestros que no habían recibido una educación "escolar" sistemática, que eran los artistas de mediados del siglo XIX. XVIII, y Vishnyakov en particular, pero aquí también su longitud enfatiza armoniosamente la fragilidad del modelo, al igual que los delgados árboles del fondo. Sarah Farmer parece encarnar no el verdadero siglo XVIII, sino lo efímero, mejor expresado en los sonidos caprichosos del minueto, el siglo XVIII, con el que solo se soñó, y ella misma, bajo el pincel de Vishnyakov, es como la encarnación de un sueño. .
Vishnyakov logró en sus obras combinar la admiración por la riqueza del mundo material y un alto sentido de monumentalidad, que no se pierde debido a la atención al detalle. En Vishnyakov, este monumentalismo se remonta a la antigua tradición rusa, mientras que la gracia y la sofisticación de la estructura decorativa dan testimonio de un excelente dominio de las formas del arte europeo. La combinación armoniosa de estas cualidades convierte a Ivan Yakovlevich Vishnyakov en uno de los artistas más brillantes de un período de transición tan complejo en el arte como mediados del siglo XVIII en Rusia.
D.G. Levitski
El retrato ceremonial ocupa un lugar importante en la obra de Levitsky. Aquí se revela en todo su esplendor el carácter decorativo inherente a su pintura.
En los retratos ceremoniales de su época madura, Levitsky se libera de la retórica teatral, están imbuidos de un espíritu de alegría, un sentimiento festivo de la vida y un optimismo brillante y saludable;
Se debe prestar especial atención a los grandes retratos ceremoniales de cuerpo entero de estudiantes del Instituto Smolny para Doncellas Nobles, que forman un único conjunto decorativo.
“Retrato de Khovanskaya y Khrushchova” 1773, Museo Estatal Ruso (Ill. 8)
Por orden de Catalina II, Levitsky pintó varios retratos de estudiantes del Instituto Smolny de Doncellas Nobles. (http://www.1143help.ru/russkayagivopis-18) Las dos chicas representadas en este retrato representan papeles de la ópera cómica "Los caprichos del amor o Ninetta en la corte" en el escenario del instituto.
Jruschova, con los brazos en jarras, toca juguetonamente la barbilla de su novia. Una sonrisa burlona juega en el rostro feo pero muy expresivo de la niña. Ella desempeña con confianza el papel masculino. Su pareja, Khovanskaya, mira tímidamente al “caballero”; su confusión se hace visible en el torpe giro de su cabeza, en la forma en que su mano reposa impotente sobre el satén brillante de su falda. Vemos escenas de paisajes que representan un parque inglés, ruinas clásicas y la silueta de un castillo. A la izquierda hay un árbol extendido, el fondo de la figura de Jruschova, en primer plano, un montículo falso que tapa la luz adicional del público. Las niñas están iluminadas por la luz de las candilejas, por eso las sombras en el suelo y los contornos de las figuras son tan distintos. Jruschova lleva una camisola de seda gris oscuro, decorada con una trenza dorada. En el teatro del instituto, donde los niños nunca actuaban, Jruschova era considerada una intérprete insuperable de papeles masculinos. Pero después de la universidad, su destino no tuvo éxito y no pudo ocupar un lugar importante en el mundo. Y Katya Khovanskaya comenzará a atraer la atención de todos, se convertirá en la esposa del poeta Neledinsky-Meletsky y la primera intérprete de canciones escritas por su marido.
“Retrato de Nelidova” 1773 (Ilustración 7)
Este es el más antiguo de los Smolyans. Mientras aún estudiaba en Smolny, se hizo conocida por su excelente actuación en el escenario, brillando especialmente en el baile y cantando canciones. En el retrato, ella desempeña un papel en la obra "La doncella es la amante". Ella ya es consciente de su propio encanto, tiene la necesidad de complacer y domina perfectamente las habilidades del comportamiento teatral. La figura se encuentra con confianza en una pose de ballet, el asa levanta con gracia el delantal de encaje, cintas rosas adornan el sombrero de paja de "pastora": todo crea la sensación de una muñeca de porcelana. Y un rostro alegre, ojos risueños, una sonrisa explican que todo esto es solo un juego. En el fondo hay grupos de árboles de color verde suave y nubes ligeras y elegantes.
Retratos de E. I. Nelidova (1773), (Ill. 7) E. N. Khrushchova y E. N. Khovanskaya (1773), (Ill. 8), G. I. Alymova (1776) (Ill. 2) y otros. La estructura figurativa de estas obras se asocia con la característica de los retratos ceremoniales del siglo XVIII. que representa a una mujer como una “criatura alegre y alegre que sólo ama la risa y la diversión”. Pero bajo el pincel de Levitsky esta fórmula general estaba llena de un contenido de vida realista y convincente.
Alto clasicismo en la pintura - “Catalina Segunda - Legisladora en el templo de la Diosa de la Justicia” 1783, Museo Estatal Ruso. (Enfermedad 3)
Se trata de una auténtica oda pictórica con todos los rasgos inherentes a este género. El personaje es una emperatriz, vestida de ceremonia, una gobernante justa, razonable e ideal. La emperatriz se presenta con un vestido blanco, brillante y plateado, de corte estricto, con una corona de laurel en la cabeza y una cinta de la orden en el pecho. Lleva una túnica pesada que le cae sobre los hombros y enfatiza la grandeza de la emperatriz.
Catalina está representada con el telón de fondo de una cortina solemne, amplios pliegues que envuelven amplias columnas y un pedestal sobre el que se coloca la estatua de Temis, la diosa de la justicia. Detrás de la columnata, detrás de una estricta balaustrada, se representan un cielo tormentoso y un mar con barcos navegando. Catalina extendió su mano sobre el altar iluminado con un amplio gesto. Junto al altar, un águila, el ave de Zeus, se posa sobre gruesos folios. El mar recuerda los éxitos de la flota rusa en el siglo XVIII, los volúmenes de leyes que Catalina creó para la Comisión Legislativa, la estatua de Temis, la labor legislativa de la emperatriz, glorificada por los poetas. Pero esta, por supuesto, no es la apariencia real de Catalina, sino la imagen de un monarca ideal, como quería que fuera el Siglo de las Luces. La pintura fue un gran éxito y se hicieron muchas copias de ella.
VL Borovikovski
La originalidad del retrato ceremonial ruso en la obra de Borovikovsky, diseñado para glorificar, en primer lugar, la posición del hombre en la sociedad de clases, fue el deseo de revelar el mundo interior del hombre.
“Catalina II de paseo por el parque Tsarskoye Selo” es un retrato de Catalina II de Vladimir Borovikovsky, escrito en línea con el sentimentalismo, una de las imágenes más famosas de la emperatriz.
Borovikovsky pintó un retrato que era inusual para esa época y estaba imbuido del espíritu de un nuevo movimiento de sentimentalismo, en contraste con el clasicismo que dominaba los retratos imperiales en ese momento. Los rasgos característicos de esta tendencia son la idealización de la vida en el regazo de la naturaleza, el culto a la sensibilidad y el interés por la vida interior del hombre. El sentimentalismo se manifiesta en el rechazo del autor a los interiores ceremoniales de los palacios y su preferencia por la naturaleza, que es “más bella que los palacios”. “Por primera vez en el arte ruso, el fondo de un retrato se convierte en un elemento importante en la caracterización del héroe. El artista glorifica la existencia humana en el entorno natural, interpreta la naturaleza como una fuente de placer estético."
Se muestra a Catherine, de 65 años, caminando por el parque Tsarskoye Selo, apoyada en un bastón debido a su reumatismo. Su ropa es decididamente informal: lleva una bata decorada con un volante de encaje con un lazo de raso y un gorro de encaje, y un perro retoza a sus pies. La gobernante no es presentada como una diosa, sino como una simple "terrateniente de Kazán", a quien le gustaba aparecer en los últimos años de su vida como una contemplativa, sin ningún oficialismo, solemnidad o atributos ceremoniales. El retrato se ha convertido en una versión doméstica del tipo inglés "retrato-paseo". En el crepúsculo del parque se puede ver un muelle con esfinges y cisnes nadando en el lago. El rostro de la modelo está escrito de manera generalizada y condicional, su edad se suaviza.
Así, la “simplicidad natural” penetra en el retrato ceremonial, que, además del sentimentalismo, acerca en parte el cuadro al clasicismo de la Ilustración. Sin embargo, la pose de la emperatriz está llena de dignidad, el gesto con el que señala el monumento a sus victorias es sobrio y majestuoso.
A diferencia de Themis de Catherine Levitsky, Ekaterina de Borovikovsky es representada como una "anciana" terrateniente de Kazán "que camina por el jardín con su amado galgo italiano. Borovikovsky creó un retrato inusual para esa época. Se muestra a Catherine dando un paseo por el parque Tsarskoye Selo en bata y gorra, con su galgo italiano favorito a sus pies. Ella aparece ante el espectador no como Felitsa, no como una reina divina que descendió del cielo, sino como una simple "terrateniente de Kazán", a quien le gustaba parecer en los últimos años de su vida.
El artista representó la figura de Catalina con una simpatía insuperable. Esta no es una vieja emperatriz, sino ante todo una persona, una mujer, un poco cansada de los asuntos estatales, de la etiqueta cortesana, a quien, en su momento libre, no le importaría estar sola, entregarse a los recuerdos y admirar la naturaleza. “En el arte ruso, este es el primer ejemplo de un retrato real que es íntimo en su esencia, acercándose a una pintura de género.
Sin embargo, incluso en este retrato íntimo hay un “motivo emblemático de una columna-“pilar”: la Columna Chesme (Obelisco Kahul - en la versión del retrato del Museo Estatal Ruso), que, a pesar de todo el sentimentalismo de la imagen de Catalina A lo largo de la trama del retrato, simboliza “firmeza o constancia”, “firmeza de espíritu”, “Esperanza sólida”. Los lienzos del artista son muy elegantes gracias a las elegantes poses de los modelos, los graciosos gestos y el hábil uso del vestuario.
Los retratos ceremoniales de Vishnyakov se caracterizan por un alto sentido de monumentalidad, sin perder la atención al detalle. En Vishnyakov, este monumentalismo se remonta a la antigua tradición rusa, mientras que la gracia y la sofisticación de la estructura decorativa dan testimonio de un excelente dominio de las formas del arte europeo.
La originalidad del retrato ceremonial ruso en la obra de Borovikovsky, diseñado para glorificar, en primer lugar, la posición del hombre en la sociedad de clases, fue el deseo de revelar el mundo interior del hombre. Sus retratos están imbuidos del espíritu de un nuevo movimiento de sentimentalismo, en contraste con el clasicismo que dominaba los retratos imperiales en aquella época.
Levitsky era igualmente bueno tanto en retratos íntimos como en imágenes ceremoniales de cuerpo entero.
Los retratos ceremoniales de Levitsky revelan el carácter decorativo inherente a su pintura en todo su esplendor.
En los retratos ceremoniales de su época madura, Levitsky se libera de la retórica teatral y están imbuidos de un espíritu de alegría;
2. Características de un retrato de cámara de la segunda mitad del siglo XVIII:
Retrato de cámara: un retrato que utiliza una imagen de medio cuerpo, de pecho o de hombros de la persona representada. Por lo general, en un retrato de cámara la figura se muestra sobre un fondo neutro.
Un retrato de cámara no es sólo un conjunto de rasgos externos, es una nueva forma de ver a una persona. Si en una imagen ceremonial el criterio para el valor de una personalidad humana eran sus acciones (que el espectador conoció a través de sus atributos), entonces en una imagen de cámara las cualidades morales pasan a primer plano.
El deseo de transmitir las cualidades individuales de una persona y al mismo tiempo hacer una valoración ética de la misma.
Borovikovsky recurrió a diversas formas de retrato: íntimo, formal y en miniatura. Vladimir Lukich Borovikovsky fue el artista sentimental ruso más destacado. Libro de A.I. Arkhangelskaya “Borovikovsky” (3) cuenta las principales etapas de la obra de este notable artista ruso, exponente del sentimentalismo en las bellas artes rusas. Según el autor, V.L. Borovikovsky es "un cantante de la personalidad humana, que se esfuerza por dar el ideal del hombre tal como él y sus contemporáneos lo imaginaron". Fue el primero entre los retratistas rusos en revelar la belleza de la vida emocional. Los retratos de cámara ocupan un lugar predominante en la obra de Borovikovsky.
Borovikovsky se vuelve popular entre una amplia gama de la nobleza de San Petersburgo. El artista retrata "clanes" familiares enteras: los Lopukhin, los Tolstoi, los Arsenyev, los Gagarin, los Bezborodko, que difundieron su fama a través de canales relacionados. Los retratos de Catalina II, sus numerosos nietos, el Ministro de Finanzas A.I Vasiliev y su esposa se remontan a este período de su vida. Los lienzos del artista son muy elegantes gracias a las elegantes poses de los modelos, los graciosos gestos y el hábil uso del vestuario. Los héroes de Borovikovsky suelen estar inactivos, la mayoría de los modelos están embelesados por su propia sensibilidad. Esto se expresa en el retrato de M.I. Lopukhina (1797), el retrato de Skobeeva (mediados de la década de 1790) y la imagen de la hija de Catalina II y A.G. Potemkin, E.G.
“El retrato de M.I. Lopukhina (Il. 7) (5) pertenece a la época en que, junto con el predominio del clasicismo, se estableció el sentimentalismo. La atención a los matices del temperamento individual, el culto a la existencia solitaria y privada actúan como una reacción peculiar a la normatividad del clasicismo que es de naturaleza social. La naturalidad se manifiesta en el gesto artísticamente descuidado de Lopukhina, en la inclinación caprichosa y caprichosa de su cabeza, en la curvatura deliberada de sus suaves labios, en la distracción soñadora de su mirada”.
Imagen de M.I. Lopukhina cautiva al espectador con su suave melancolía, su extraordinaria suavidad de rasgos faciales y su armonía interior. Esta armonía se transmite a través de toda la estructura artística del cuadro: tanto por el giro de la cabeza como por la expresión del rostro de la mujer, se enfatiza con detalles poéticos individuales, como las rosas arrancadas y ya caídas sobre el tallo. Esta armonía es fácil de captar en la melodiosa suavidad de las líneas, en la consideración y subordinación de todas las partes del retrato.
Cara M.I. Lopukhina puede estar lejos del ideal clásico de belleza, pero está llena de un encanto tan indescriptible, tal encanto espiritual que, junto a ella, muchas bellezas clásicas parecerán un esquema frío y sin vida. La cautivadora imagen de una mujer tierna, melancólica y soñadora se transmite con gran sinceridad y amor, y la artista revela su mundo espiritual con una convincente convicción.
Una mirada pensativa, lánguida, triste y soñadora, una sonrisa amable, la ligereza libre de una postura ligeramente cansada; líneas suaves y que caen rítmicamente; formas suaves y redondas; un vestido blanco, una bufanda lila y rosas, un cinturón azul, un color de cabello ceniciento, un fondo de follaje verde y, finalmente, una neblina suave y aireada que llena el espacio: todo esto forma una unidad de todos los medios de expresión pictórica, en la que el La creación de la imagen se revela más plena y profundamente.
El retrato de Lopukhina fue pintado con un paisaje como telón de fondo. Está de pie en el jardín, apoyada en una vieja consola de piedra. La naturaleza entre la que se ha recluido la heroína se parece a un rincón del parque paisajístico de una finca noble. Ella personifica un mundo hermoso, lleno de belleza natural y pureza. Las rosas y los lirios marchitos evocan una ligera tristeza, pensamientos sobre la belleza pasajera. Se hacen eco del estado de ánimo de tristeza, inquietud y melancolía en el que está inmersa Lopukhina. En la era del sentimentalismo, el artista se siente especialmente atraído por los complejos estados de transición del mundo interior del hombre. La ensoñación elegíaca y la ternura lánguida impregnan todo el tejido artístico de la obra. La consideración y la leve sonrisa de Lopukhina revelan su inmersión en el mundo de sus propios sentimientos.
Toda la composición está impregnada de ritmos lentos y fluidos. La suave curva de la figura y la mano suavemente bajada se reflejan en las ramas inclinadas de los árboles, los troncos blancos de los abedules y las espigas de centeno. Los contornos vagos y borrosos crean la sensación de un ambiente luminoso y aireado, una neblina transparente en la que la figura del modelo y la naturaleza circundante están "sumergidos". El contorno que fluye alrededor de su figura, a veces perdido, a veces apareciendo en forma de una línea delgada y flexible, evoca en la memoria del espectador los contornos de estatuas antiguas. Los pliegues que caen, convergen o forman suaves roturas, los rasgos más sutiles y espirituales del rostro: todo esto no constituye, por así decirlo, pintura, sino música. El suave azul del cielo, el verde apagado del follaje, el dorado de las orejas con brillantes toques de acianos hacen eco del color del vestido blanco perla, del cinturón azul y del adorno brillante en el brazo. La bufanda lila se hace eco de tonos de rosas descoloridas.
En los retratos de Borovikovsky, “Lisanka y Dashenka” (Ill. 6)(3) encarnan el tipo de chicas sensibles de esa época. Sus rostros tiernos están pegados mejilla contra mejilla, sus movimientos están llenos de gracia juvenil. La morena es seria y soñadora, la rubia es vivaz y divertida. Complementándose mutuamente, se fusionan en una unidad armoniosa. El carácter de las imágenes corresponde a los delicados tonos de las frías flores lilas azuladas y cálidas flores de color rosa dorado.
Borovikovsky fue especialmente bueno retratando a "jóvenes doncellas" de familias nobles. Este es el “Retrato de Ekaterina Nikolaevna Arsenyeva” (4), estudiante del Instituto Smolny de Doncellas Nobles y dama de honor de la emperatriz María Feodorovna. La joven de Smolensk está representada vestida de “campesina”: lleva un vestido espacioso, un sombrero de paja con mazorcas de maíz y sostiene una jugosa manzana en sus manos. Chubby Katenka no se distingue por la regularidad clásica de sus rasgos. Sin embargo, una nariz respingona, ojos brillantes con picardía y una leve sonrisa de labios finos añaden vivacidad y coquetería a la imagen. Borovikovsky capturó perfectamente la espontaneidad de la modelo, su vivaz encanto y alegría.
F.S. Rokotov
Creatividad F.S. Rokotova (1735-1808) constituye una de las páginas más encantadoras y difíciles de explicar de nuestra cultura.
La imagen ceremonial no era ni la favorita de Rokotov ni el área de creatividad más típica. Su género favorito es el retrato de cuerpo entero, en el que toda la atención del artista se centra en la vida del rostro humano. Su esquema compositivo se distinguió por la sencillez, algo rayando en la monotonía. Al mismo tiempo, sus retratos se caracterizan por una sutil destreza pictórica.
Le atraían otras tareas pictóricas: crear pinturas de cámara íntimas que reflejaran las ideas del maestro sobre una estructura espiritual sublime.
Pasando al trabajo de F.S. Rokotov, como partidario del retrato de cámara, los autores señalan que el origen ideal de este artista se combina con los rasgos de la apariencia de un individuo, junto con una representación magistral de los rasgos del rostro, la ropa y las joyas del retratado; El artista es capaz de identificar las cualidades espirituales del modelo.
En la caracterización de la imagen por parte de Rokotov, la expresividad de los ojos y las expresiones faciales son muy importantes, y el artista no se esfuerza por transmitir un estado de ánimo específico; más bien, quiere crear un sentimiento de elusión y fugacidad de los sentimientos de una persona. Las obras sorprenden con la delicada y sofisticada belleza de la combinación de colores. La coloración, que suele basarse en tres colores, gracias a sus transiciones, expresa la riqueza y complejidad de la vida interior del retratado. El artista utiliza el claroscuro de una manera única, resaltando el rostro y, por así decirlo, disolviendo pequeños detalles.
Los retratos de Rokotov son historia en sus rostros. Gracias a ellos, tenemos la oportunidad de imaginar imágenes de una época pasada.
A finales de los años 1770-1780.
Estas características de la creatividad de Rokotov se manifestaron más plenamente en los retratos femeninos, que ocuparon un lugar especial en el arte del siglo XVIII. En el momento de su apogeo creativo, el pintor crea una galería de hermosas imágenes femeninas: A. P. Struyskaya (1772) (Ill. 13), V. E. Novosiltseva. (Enfermedad 14)
El siguiente retrato femenino es “Desconocido con un vestido rosa”, pintado en la década de 1770. Se considera una de las obras maestras de Rokotov. Las gradaciones más finas de rosa, desde el saturado en las sombras hasta el cálido y claro, crean el efecto de parpadeo, aleteo del más fino ambiente de luz y aire, como si estuvieran en consonancia con los movimientos espirituales internos ocultos invariablemente en los retratos del siglo XVIII. una sonrisa amable brillando en las profundidades de su mirada. Esta imagen está llena de un encanto lírico especial.
Destaca especialmente el “Retrato de una mujer desconocida con un vestido rosa”. La apertura de una persona a los demás y al mundo presupone intimidad, atención e interés ocultos, quizás en algún lugar condescendencia, una sonrisa hacia uno mismo, o incluso entusiasmo y alegría, un impulso lleno de nobleza, y esta apertura, la confianza en la otra persona y en el mundo. en su conjunto: propiedades de la juventud, la juventud, especialmente en épocas en las que nuevos ideales de bondad, belleza y humanidad están en el aire como el soplo de la primavera. (http://www.renclassic.ru/Ru/35/50/75/)
El retrato de una joven desconocida con los ojos entrecerrados pensativamente y un vestido rosa claro (Desconocido en rosa), pintado por Fyodor Stepanovich Rokotov, atrae por su sutileza y riqueza espiritual. Rokotov escribe con suavidad y ligereza. En una media insinuación, sin alargar nada hasta el final, transmite la transparencia del encaje, la suave masa de cabello empolvado, un rostro luminoso con ojos sombreados.
F. Rokotov “Retrato de A.P. Struyskoy" (Ilustración 13)
1772, óleo sobre lienzo, 59,8x47,5cm
El retrato de Alexandra Struyskaya es sin duda la imagen más brillante de una mujer idealmente bella de todos los retratos rusos. Se representa a una joven encantadora, llena de gracia cautivadora. Un elegante rostro ovalado, cejas finas y voladas, un ligero rubor y una mirada pensativa y ausente. En sus ojos hay orgullo y pureza espiritual. El retrato está pintado con tintes de color y luz. Las sombras se transforman sutilmente en luz, los tonos gris ceniza se convierten en azul y los tonos rosados en oro pálido. Los juegos de luces y las gradaciones de color no son perceptibles y crean una ligera neblina, tal vez una especie de misterio.
Sobre el amor de Rokotov por Struiska se conserva una leyenda, aparentemente inspirada por el tono especial de encanto y suerte del talento del artista que creó su retrato (http://www.nearyou.ru/rokotov/1Struiska.html).
Levitski
En sus retratos íntimos prevalece notablemente una actitud objetiva hacia el modelo. Las características de la individualidad se vuelven más generalizadas y se enfatizan los rasgos típicos. Levitsky sigue siendo un gran psicólogo y un pintor brillante, pero no muestra su actitud hacia el modelo.
Sonrisas del mismo tipo, rubor demasiado brillante en las mejillas, una técnica para colocar pliegues. Por lo tanto, la alegre dama E.A. Bakunina (1782) y la remilgada y seca Dorothea Schmidt (principios de la década de 1780) se vuelven sutilmente similares entre sí.
Retrato de Ursula Mniszech (Ill. 12)
1782., óleo sobre lienzo,
Galería Estatal Tretyakov, Moscú
El retrato de Ursula Mniszech fue pintado en el apogeo de la habilidad y fama de la artista. El óvalo era poco común en la práctica del retrato de D. G. Levitsky, pero fue esta forma la que eligió para la exquisita representación de una belleza secular. Con una ilusión natural, el maestro transmitió la transparencia del encaje, la fragilidad del satén y el polvo gris de una peluca alta a la moda. Las mejillas y los pómulos se “arden” con el calor del rubor cosmético aplicado.
El rostro está pintado con trazos fusionados, indistinguibles gracias a los esmaltes transparentes aligerados y que confieren al retrato una superficie suavemente barnizada. Sobre un fondo oscuro, se combinan ventajosamente tonos gris azulado, ceniza plateado y dorado pálido.
Un giro distante de la cabeza y una sonrisa educada y educada dan al rostro una expresión educada y secular. Una mirada fría y directa parece evasiva, ocultando el yo interior de la modelo. Sus ojos claros y abiertos son deliberadamente reservados, pero no misteriosos. Esta mujer, a pesar de su voluntad, suscita admiración, al igual que la pintura virtuosa del maestro.
(http://www.nearyou.ru/levitsk/1mnishek.html)
Conclusión:
En sus retratos íntimos, Borovikovsky captura perfectamente la espontaneidad de la modelo, su vivaz encanto y alegría. Borovikovsky fue el primero entre los retratistas rusos en revelar la belleza de la vida emocional. Los lienzos del artista son muy elegantes gracias a las elegantes poses de los modelos, los gestos elegantes y el hábil uso del vestuario. Los héroes de Borovikovsky suelen estar inactivos, la mayoría de los modelos están embelesados por su propia sensibilidad.
Los retratos "íntimos" creados por Levitsky están marcados por la profundidad y versatilidad de las características psicológicas, se caracterizan por una gran moderación de los medios artísticos;
En sus retratos íntimos prevalece notablemente una actitud objetiva hacia el modelo. Las características de la individualidad se vuelven más generalizadas y se enfatizan los rasgos típicos.
F.S. Rokotov, partidario del retrato de cámara
Una característica distintiva de Rokotov es un mayor interés en el mundo interior de una persona; En el retrato, el artista enfatiza la presencia de una vida espiritual compleja, la poetiza, centra la atención del espectador en ella, afirmando así su valor.
retrato ceremonial, retrato representativo- un subtipo de retrato característico de la cultura cortesana. Recibió un desarrollo especial durante el período de absolutismo desarrollado. Su tarea principal no es sólo transmitir similitud visual, sino también exaltar al cliente, comparar a la persona representada con una deidad (en el caso del retrato de un monarca) o un monarca (en el caso del retrato de un aristócrata).
Característica
Por regla general, se trata de mostrar a una persona en pleno crecimiento (montada a caballo, de pie o sentada). En un retrato formal, la figura suele mostrarse sobre un fondo arquitectónico o paisajístico; una mayor elaboración lo acerca a una imagen narrativa, lo que implica no solo dimensiones impresionantes, sino también una estructura figurativa individual.
El artista representa el modelo, centrando la atención del espectador en el papel social de la persona representada. Dado que el papel principal del retrato ceremonial era ideológico, esto provocó una cierta caracterización unidimensional: una teatralidad enfatizada de la pose y un entorno bastante exuberante (columnas, cortinas, en el retrato del monarca - insignias, símbolos de poder), lo que relegó a un segundo plano las propiedades espirituales del modelo. Sin embargo, en las mejores obras del género, el modelo aparece en una versión claramente definida, que resulta muy expresiva.
El retrato ceremonial se caracteriza por una franca demostratividad y el deseo de "historizar" a la persona representada. Esto influye en la combinación de colores, que es invariablemente elegante, decorativa y corresponde a las características coloristas del interior (aunque cambia según el estilo de la época, volviéndose local y brillante en el barroco, suavizada y llena de medios tonos en el rococó, sobria en el clasicismo). ).
Subtipos
Dependiendo de los atributos, un retrato ceremonial puede ser:
- Coronación (trono menos común)
- Ecuestre
- A imagen de un comandante (militar)
- El retrato de caza se encuentra al lado del frontal, pero también puede ser íntimo.
- Semi-ceremonial: tiene el mismo concepto que un retrato ceremonial, pero generalmente tiene un corte hasta la cintura o hasta la rodilla y accesorios bastante desarrollados.
Retrato de coronación
Retrato de coronación: una imagen solemne del monarca "en el día de su coronación", acceso al trono, con las insignias de coronación (corona, manto, con un cetro y un orbe), generalmente en toda su altura (a veces se encuentra un retrato en trono sentado ).
“El retrato imperial fue concebido durante siglos como una huella de la idea estatal más importante del momento. Las formas inmutables jugaron un papel importante al demostrar el valor duradero del presente, la estabilidad del poder estatal, etc. En este sentido, el llamado “Retrato de coronación”, que presupone la imagen de un gobernante con atributos de poder y reivindica la misma constancia sagrada que la propia ceremonia de coronación. De hecho, desde la época de Pedro el Grande, cuando Catalina I fue coronada por primera vez según las nuevas reglas, hasta la época de Catalina II, este tipo de retrato sólo sufrió ligeras variaciones. Las emperatrices, Anna Ioannovna, Elizaveta Petrovna, Catalina II, se elevan majestuosamente sobre el mundo, asemejándose en su silueta a una pirámide inquebrantable. La inmovilidad regia también se ve acentuada por el pesado manto de coronación con un manto, cuyo peso icónico equivale a la corona, el cetro y el orbe que invariablemente acompañaban la imagen del autócrata”.
Atributos permanentes:
- columnas diseñadas para enfatizar la estabilidad del gobierno
- cortinas, parecidas al telón de un teatro que acaba de abrirse, revelando al público un fenómeno milagroso
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Notas
Un extracto que caracteriza el Retrato Ceremonial.
Kutuzov se retiró a Viena, destruyendo detrás de él los puentes sobre los ríos Inn (en Braunau) y Traun (en Linz). El 23 de octubre, las tropas rusas cruzaron el río Enns. Convoyes rusos, artillería y columnas de tropas se extendían a mitad del día por la ciudad de Enns, de este lado y del otro lado del puente.El día era cálido, otoñal y lluvioso. La vasta perspectiva que se abría desde la elevación donde se encontraban las baterías rusas protegiendo el puente se cubrió repentinamente con una cortina de muselina de lluvia inclinada, luego se expandió repentinamente y, a la luz del sol, objetos como cubiertos de barniz se hicieron visibles a lo lejos y claramente. A sus pies se veía una ciudad con sus casas blancas y sus tejados rojos, una catedral y un puente, a ambos lados del cual se apiñaban masas de tropas rusas. En el recodo del Danubio se podían ver barcos, una isla y un castillo con un parque, rodeado por las aguas de la confluencia del Ensa con el Danubio se podía ver la orilla rocosa izquierda del Danubio cubierta de bosques de pinos con el misterioso; distancia de picos verdes y gargantas azules. Las torres del monasterio eran visibles, sobresaliendo detrás de un bosque de pinos que parecía intacto; Más adelante, en la montaña, al otro lado de Ens, se podían ver patrullas enemigas.
Entre los cañones, en lo alto, al frente estaban el jefe de la retaguardia, un general y un oficial de séquito, examinando el terreno con un telescopio. Un poco atrás, Nesvitsky, enviado por el comandante en jefe a la retaguardia, estaba sentado en el cañón de un arma.
El cosaco que acompañaba a Nesvitsky entregó un bolso y una petaca, y Nesvitsky invitó a los oficiales a comer pasteles y un auténtico doppelkümel. Los agentes lo rodearon alegremente, algunos de rodillas, otros sentados con las piernas cruzadas sobre la hierba mojada.
- Sí, este príncipe austriaco no fue tonto al construir un castillo aquí. Buen lugar. ¿Por qué no comen, señores? - dijo Nesvitsky.
“Te lo agradezco humildemente, príncipe”, respondió uno de los oficiales, disfrutando de hablar con un funcionario de estado mayor tan importante. - Hermoso lugar. Pasamos por el parque, vimos dos ciervos y ¡qué casa tan maravillosa!
“Mira, príncipe”, dijo el otro, que tenía muchas ganas de tomar otro pastel, pero estaba avergonzado, y por eso fingía que estaba mirando la zona, “mira, nuestra infantería ya ha subido allí”. Allí, en el prado a las afueras del pueblo, tres personas arrastran algo. “Atravesarán este palacio”, dijo con visible aprobación.
“Ambos”, dijo Nesvitsky. “No, pero lo que me gustaría”, añadió, masticando el pastel en su hermosa y húmeda boca, “es subir hasta allí”.
Señaló un monasterio con torres visibles en la montaña. Él sonrió, sus ojos se entrecerraron y se iluminaron.
- ¡Pero eso estaría bien, señores!
Los oficiales se rieron.
- Al menos asusta a estas monjas. Los italianos, dicen, son jóvenes. ¡De verdad, daría cinco años de mi vida!
“Están aburridos”, dijo riendo el oficial más atrevido.
Mientras tanto, el oficial de séquito que estaba al frente le señalaba algo al general; El general miró por el telescopio.
“Bueno, así es, así es”, dijo enojado el general, bajando el auricular de sus ojos y encogiéndose de hombros, “y así es, atacarán el cruce”. ¿Y por qué andan por ahí?
Del otro lado, el enemigo y su batería eran visibles a simple vista, de donde salía un humo blanco lechoso. Tras el humo se escuchó un disparo lejano y se vio claramente cómo nuestras tropas se apresuraban hacia el cruce.
Nesvitsky, resoplando, se levantó y, sonriendo, se acercó al general.
- ¿Quiere Su Excelencia tomar un refrigerio? - él dijo.
"No está bien", dijo el general, sin responderle, "nuestra gente vaciló".
– ¿No deberíamos irnos, excelencia? - dijo Nesvitsky.
“Sí, por favor vaya”, dijo el general, repitiendo en detalle lo que ya se había ordenado, “y dígales a los húsares que sean los últimos en cruzar y encender el puente, como ordené, y que inspeccionen los materiales inflamables en el puente. " Los retratos ceremoniales se generalizaron en la corte. Glorificaron a la realeza y su séquito. Como regla general, se representaba a una persona en pleno crecimiento, de pie o sentada sobre un caballo. El fondo solía ser un paisaje o estructuras arquitectónicas. El artista, en primer lugar, se centró en el papel social de su modelo. Al mismo tiempo, sus cualidades espirituales a menudo pasaban a un segundo plano. Entre los rasgos distintivos del retrato ceremonial se encuentran la pose acentuada del personaje, la imagen de numerosas insignias y el magnífico entorno.
Retrato ceremonial en la obra de Levitsky.
En Rusia, el arte del retrato ceremonial floreció en la segunda mitad del siglo XVIII. El mayor representante del género fue Dmitry Grigorievich Levitsky. Una de las mejores obras del artista, así como uno de los retratos ceremoniales más inusuales de todo el arte mundial, fue el "Retrato de Prokofy Akinfievich Demidov".El famoso filántropo está representado con el telón de fondo de las columnas del orfanato, del que era uno de los administradores. Al mismo tiempo, el propio Demidov está vestido con una bata, apoyado en una regadera y rodeado de plantas de interior. Levitsky dice aquí que su héroe es tan cariñoso con los huérfanos del orfanato como con las delicadas plantas de interior.
También cabe incluir en este género una serie de retratos de estudiantes del Instituto Smolny de Doncellas Nobles. Se representan jovencitas encantadoras actuando en el escenario del teatro, además de estudiar ciencias y arte. Esta serie se ha convertido en un nuevo tipo de retrato ceremonial para Rusia: el llamado "retrato en un papel", donde el tema de la imagen no es real, sino una vida enfáticamente teatral.
La originalidad artística del retrato de Catalina II de Borovikovsky.
Uno de los ejemplos más singulares de retrato ceremonial fue la pintura del contemporáneo más joven de Levitsky, Vladimir Lukich Borovikovsky, “Catalina II de paseo por el parque Tsarskoye Selo”. El artista representó a la emperatriz con ropa normal, nada que recordara su grandeza real. Su querido perro retoza a los pies de Catherine.Es interesante que, aunque la propia emperatriz reaccionó con mucha frialdad a su retrato de Borovikovsky, más tarde fue reconocido como uno de los mejores. Es en esta imagen que Catalina aparece ante Masha Mironova en las páginas del cuento de Pushkin "La hija del capitán".
Así, los artistas talentosos a menudo lograron superar los límites bastante rígidos del género del retrato ceremonial.
